Simon And Garfunkel. El dúo que pudo reinar

Paul Simon y Art Garfunkel han sido, sin duda, los autores de grandes momentos dentro de la música popular de la segunda mitad del pasado siglo, circunstancia por la que, los que somos admiradores de su trabajo y de su talento, nos hemos felicitado siempre. Sin embargo, las desavenencias que se produjeron entre ambos, a finales de los años 60, dieron al traste por desgracia, con una carrera que tenía todas las papeletas, para  haber llegado, más alto aún de lo que lo hicieron, en los seis años que estuvieron como dúo en activo, desde 1964 a 1970. 

Con solo advertir, que su discografía, fue de tan solo cinco álbumes, eso sí absolutamente, fabulosos todos ellos, podemos darnos cuenta, lo que podría haber sucedido, si no hubieran tomado la trágica decisión de separarse.

Pero así son las cosas y así son los artistas, así son los egos y las envidias, capaces de acabar con la amistad de dos muchachos, que desde su adolescencia, habían sido uña y carne. Tal vez, si ambos hubieran sido  un poquito más condescendientes y ceder un poquito uno aquí y otro allá, probablemente se hubieran limado esas diferencias. Pero también es verdad, que los artistas tienen estas peculiaridades, sus fuertes personalidades, son las que les hacen precisamente ser geniales y del choque que se produce entre sus talentos, surge su fuerza creativa y su calidad artística. 

Como digo, Paul Simon y Art Garfunkel eran íntimos amigos desde la escuela de su barrio de nacimiento, el artístico y musical distrito de "Queens" en Nueva York. Pronto compartieron inquietudes musicales, orientadas como es lógico en esos años, al R&B, o el Rocabilly. 

Nada más terminar el instituto, en la década de los 50, se unieron por primera vez como dúo, llamándose curiosamente Tom y Jerry, como los famosos personajes de dibujos animados. En aquel entonces, los dos jóvenes músicos, estaban fuertemente influenciados, por otro dúo que fue muy popular y que tuvo un gran impacto en la juventud estadounidense de los 50, llamado "The Everly Brothers".

Después de estos primeros inicios, que no fueron muy exitosos, cada uno tomó un camino diferente, Garfunkel probó suerte como solista y Paul Simon aprovechó el tiempo para viajar al Reino Unido, y tomar contacto e impregnarse de la escena folk británica. La falta de expectativas en sus trayectorias individuales, les llevaron a volver a encontrarse de nuevo, en 1964 y debutar con su primer Lp, de corte totalmente acústico, titulado "Wednesday morning 3 am". 

El dúo renacido, ahora sí, como Simon & Garfunkel, dejarían a un lado el Rock and Roll, aunque no del todo, porque siempre podemos encontrar en su discografía, algún Rock'n'Roll que otro, y decidieron decantarse por el Folk puro y obviamente también por el Folk rock, que estaba cobrando mucho auge en Estados Unidos, como consecuencia del éxito que estaban obteniendo desde algunos años atrás, músicos como el veterano, Pete Seeger, y los jóvenes Joan Baez y Bob Dylan. 

El álbum contiene varios versiones de canciones tradicionales, y una del gran éxito reciente de Dylan "The Times They are A-changin' " siendo el resto y como serán ya siempre a partir de entonces, composiciones de Paul Simon.

El disco a pesar de que no tuvo apenas seguimiento, es una auténtica delicia y anuncia el camino que iban a seguir en los años siguientes. No es su mejor Lp, pero y esto será curiosamente muy trascendente, en él se encuentra, uno de los mayores éxitos de su carrera y sin duda alguna, una de sus obras maestras, "The Sounds of Silence". 

"Wednesday morning 3 am" representa ya plenamente, todo lo que definirá al dúo en sus álbumes posteriores, canciones comprometidas políticamente y de contenido social, como la misma "The sounds of silence", dedicada al sentimiento de dolor que supuso el asesinato de Kennedy, o temas de un lirismo fuertemente evocador y en ocasiones melancólico. En lo estrictamente musical, destacaban unas melodías de una belleza extraordinaria, con texturas de guitarra muy hermosas, perfectamente acompañadas y enriquecidas, con la voz casi angelical de Garfunkel, perfectamente secundada a su vez, por la voz y la guitarra acústica de Simon. 

"Wednesday Morning, 3 a.m" nos obsequia con pequeñas joyas, como "Bleecker Street", "He was My brother" y la canción que da título al álbum "Wednesday Morning, 3 a.m", todas ellas a un nivel equiparable al de cualquiera de los éxitos de sus siguientes Lps, pero son temas como "The sounds of silence", las que han encumbrado a Simon y Garfunkel, como uno de las más grandes cimas de la música popular del pasado siglo.

No obstante como digo, el disco pasó totalmente desapercibido y esto ocasionó la primera separación oficial del dúo, que volvió a sus ocupaciones anteriores, Garfunkel a intentar de nuevo el éxito en solitario y Simon de regreso a Inglaterra.

Pero pasado un año, sucedió un acontecimiento imprevisto, Tom Wilson, uno de los grandes productores de aquellos años y que se había hecho cargo del dúo, como buen cazatalentos que era, viendo lo buena que era "The sounds of silence" y el potencial que tenía , decidió hacer una mezcla por su cuenta, añadiendo pistas de bajo, batería y guitarra eléctrica a la canción, que de la noche a la mañana, se convirtió en un gran éxito.  

Aunque Tom Wilson tomó la decisión sin el permiso del dúo, cuando ambos se enteraron de la aceptación que había alcanzado la canción, lógicamente se animaron y decidieron volver a unirse para grabar un nuevo álbum, en el que incluirían la versión electrificada de "The sounds of silence". Así fue, como aquella canción que había pasado sin pena ni gloria, fue crucial para lanzar definitivamente al estrellato al dúo neoyorkino.

El disco precisamente titulado "Sounds of Silence", nos ofrece igualmente canciones muy bonitas, de muy corta duración, pero llenas de intensidad, en las que se alternan canciones acompañadas de batería y guitarra eléctrica y temas únicamente acústicos.  También son destacables, reminiscencias de R&B, en algunos temas, como en "Somewhere They Can't Find me", la sensacional "Richard Cory", o "I'm a Rock". Esta variedad contribuye a que el álbum sea más redondo en su conjunto y considerablemente más rico en matices, que su precedente y también mucho más interesante.  

Como muestra de que Simon & Garfunkel, no siempre hicieron folk rock, voy a seleccionar precisamente para mí, una de las mejores canciones del disco, de tono social y próxima al Rock and Roll, que es "Richard Cory", basada en el poema homónimo del Premio Nobel, Edwin Arlington Robinson.

Por fin, Simon & Garfunkel, habían logrado un reconocimiento merecido y suficiente, que les permitiría publicar en ese mismo año 1966, otro Lp, "Parsley, Sage, Rosemary and Thyme", que supuso la confirmación de su popularidad y de su indudable calidad. 

El título del disco alude a una de de las frases del estribillo de la canción tradicional inglesa "Scarboroug Fair", de la que harían una versión sublime y que sin duda, es una de las piezas que debió traerse Simon de su estancia en las islas británicas y de su contacto con la escena folk inglesa. 

El álbum continúa con la estructura que habían seguido en los dos anteriores, con una mayoría de baladas folk, a cada cual más hermosa e intimista. Tal vez este álbum sea su trabajo más poético y romántico, como bien muestran esas dos pequeñas obras maestras "A poem on The Underground Wall" o la apasionada "For Emily, Whenever i May Find Her", en que Garfunkel alcanza unos registros de voz y una emotividad, inconmensurable. 

  

Y por supuesto no puede faltar la maravillosa versión que hicieron de "Scarboroug fair", que supera con creces a cualquier hecha jamás por nadie.

En el siguiente año, 1967 se rodó la película "El graduado",  dirigida por el realizador Mike Nichols, un film escandaloso en su tiempo y de temática escabrosa, pero que obtuvo mucha éxito, y en el que el dúo neoyorquino, aportó la mayoría de la banda sonora. Célebres son los temas "April Come She Will" y la inolvidable "Mrs Robinson" 

Por si no eran ya bastante famosos, la participación en la película les catapultó definitivamente a la gloria y al reconocimiento de la crítica, que se rendía ante las composiciones de Simon y la voz de Garfunkel.

En un momento de inspiración fabulosa, graban en 1968, lo que para mí es su mejor obra, ese álbum maravilloso, mágico y tan nostálgico en ocasiones, titulado "Bookends", en el que no obstante, vuelven a demostrar que además de hacer baladas folk de una belleza insuperable, son también autores de canciones próximas al rock and roll, como "A Hazy shade of winter" o "At the zoo", con gran soltura y acierto.

Además de incluir el exitazo "Mrs Robinson", contiene temas también muy aclamados como "América". "Bookends", es un Lp, que se sitúa, siguiendo la moda del momento, dentro de la órbita de los discos conceptuales, es decir, discos que giran en torno a una idea común. En este caso, "Bookends", es una obra perfecta en lo musical, que busca, penetrar en perspectiva poética, en las sensaciones que produce el transcurrir del tiempo, a lo largo de las diferentes etapas de una vida. 

Uno de los aciertos más destacables del álbum, es el acompañamiento orquestal, que aporta muchísima carga emocional a las canciones en las que aparece, junto a unos arreglos mucho más cuidados y oportunos, que hizo de "Bookends", su  obra más elaborada hasta el momento. Es un disco que más allá de lograr emocionar con sus clásicas baladas intimistas, alcanza en todos sus temas, la perfección del trabajo impecablemente realizado. Cuando un disco es tan bueno como "Bookends" solamente deseo que lo escuchéis de principio a fin, porque todo en él es imprescindible. 

Por ejemplo quien no se deleita con esta exquisita balada " Overs"

O la elegante y conmovedora "America"

Y llegamos al momento en el que la relación entre ambos, que ya venían siendo tirante tiempo atrás, se empieza a deteriorar irremediablemente, como consecuencia, entre otras razones de la participación que tuvo el dúo en la banda sonora de "El graduado", que sirvió para que Garfunkel, entrara en contacto con el director Mike Nichols, con la idea de colaborar en más películas, como así fue. 

Los motivos que llevaron a Garfunkel a iniciar una carrera cinematográfica, radicaban en que, no se encontraba a gusto completamente con su situación en el dúo, en el que se veía con un papel secundario, con respecto a Paul Simon, que ciertamente era quien componía y escribía las letras de las canciones, y que en cierto modo era el alma del dúo.

Para mí Garfunkel es un artista impresionante, dotado de una voz extraordinaria, que muy pocas personas tienen y por tanto no sé por qué tendría que tener envidia de Simon, que por otra parte es cierto que es un excelente compositor  y un gran músico. El caso es que y el tiempo lo confirmó, juntos realmente es como más brillaban ambos. 

Con todo en 1970 grabaron su último trabajo, otra auténtica obra maestra, pero que como ya sabemos, desgraciadamente fue el canto del cisne del dúo. "Bridge Over Troubled Water", como no podía ser otro modo, fue un absoluto y rotundo éxito, y es que para entonces, Simon & Garfunkel, convertían en oro todo lo que hacían. 

El álbum  vuelve a tener unos arreglos impecables, un sonido muy  esmerado y canciones por supuesto fabulosas, de la que únicamente me sobra la versión de "El Condor pasa", que me parece un pelín cursi. Por lo demás son temas todos al más alto nivel, que hacen del álbum para muchos, su mejor obra. Desde la preciosa canción, que da título al LP y que es una de las más afamadas de toda su carrera, "Bridge over Troubled wáter", en la que la primorosa voz de Garfunkel, alcanza un nivel elevadísimo.  

Hasta la muy valorable versión, que  hacen de sus adorados "The Everly Brothers", con su gran clásico "Bye bye Love".

Pero para mí lo que supone la cumbre del disco y tal vez de toda la obra de Simon & Garfunkel, sea ese temazo que es "The Boxer", absolutamente insuperable, perfecto de principio a fin, lleno de emoción y de belleza, tanto en la letra como en la música. Una absoluta obra maestra, al alcance de muy pocos.

Después de semejante discazo, ocurrió lo que era inevitable, pero que nadie deseaba, la definitiva separación del dúo, el cual había llegado a una situación insostenible. Ni Simon soportaba a Garfunkel, ni Garfunkel toleraba a Simon y ambos se culpaban de una relación que jamás pudo volver a arreglarse.

Estamos hablando del momento en el que se encontraban en la más absoluta de las cimas de la fama, al nivel de Rolling Stones o Bob Dylan. 

Ninguno de los dos por separado, ha alcanzado jamás, ni de lejos, la calidad que atesoraron en los discos que grabaron juntos. Cierto es que Paul Simon ha hecho algunos trabajos bastante dignos, incluso buenos algunos de ellos, pero nunca al nivel que había alcanzado junto a Garfunkel, quien por su parte, no tuvo una carrera en solitario especialmente brillante y mucho menos fructífera, ni tampoco terminó de triunfar en el cine.

Ambos quedarán no obstante en nuestra memoria y en nuestro recuerdo, como los artífices de los momentos musicales más llenos de lirismo y belleza de la historia de la música popular reciente. Sus canciones son absolutamente inolvidables y eternas y mientras Simon, quedará para siempre como uno de los más grandes compositores de la historia de la música popular, Garfunkel será, quizá su voz más hermosa.

Nacho Díez 

 

The Who, del Movimiento Mod a la ópera Rock

Considerados con justicia, lo que no es poco, como el tercer grupo en orden de importancia de la historia del Rock británico de los 60, únicamente, por detrás de los Rolling Stones y los Beatles, y en consecuencia también, como uno de los más importantes de toda la historia del Rock, The Who son ante todo, la banda más icónica, de toda esa generación que había nacido justo después de la segunda guerra mundial, que crecieron escuchando R&B, y que con sus ideas y propuestas rebeldes, querían cambiar el mundo.

No solo eso, en mi opinión es el más británico de los grupos británicos, teniendo siempre la virtud, a lo largo de su extensa trayectoria, de amoldarse como ningún otro grupo, a los géneros  y estilos dominantes de su época y brillando y aportando en cada uno de ellos, pasajes memorables. 

Cuando decidieron hacer música para los "mods", la hicieron como nadie, cuando querían hacer R&B puro, lo bordaban, si les apetecía tocar rock duro, se convertían en los más duros, y cuando tomaron la decisión de hacer algo tan difícil, como es una ópera rock, lograron alcanzar no solo éxito, sino convencer a la crítica, y convertirse en uno de los fundadores y referencias, del Art rock y el Rock experimental.

Banda netamente londinense, en la que destaca, el guitarrista, Peter Townshend, máximo compositor y alma del grupo, acompañado por el vocalista Roger Daltrey, dotado de una potente y profunda voz, que fue evolucionando hacia alcanzar unas tonalidades de dimensione casi épicas en los´70 y en la sección rítmica, el impulsivo y poderoso baterista, Keith Moon, todo corazón y un auténtico "aporreador" de la batería, perfectamente secundado por un gran bajista, John Entwistle. 

The Who fueron desde sus inicios un grupo alternativo, próximo a lo underground, que muy pronto, se les catalogó como un grupo de culto, pero al mismo tiempo de gran popularidad. Fueron innovadores, en todos los géneros que tocaron y nunca renunciaron a nada, como por ejemplo, cuando decidieron adentrarse en el mundo cinematográfico. Y todo esto, porque The Who, pudieron y quisieron ser y hacer lo que desearon en cada momento, y lo que es más difícil, aún así ser, ampliamente respetados por crítica y colegas. Hay que ser muy buenos y tener mucha categoría, para haber logrado esto, en el resbaladizo mundo del Rock.

En lo tocante a la influencia que han tenido a lo largo de todos estos años, decir sencillamente que es total, y abarca géneros tan dispares, incluso enemigos, como el punk, del que son tal vez, el grupo de mayor referencia, o el Rock progresivo, y casi como aquel que dice, todo lo que hay por el medio entre ellos. Pero no solamente es la música, es también su actitud en los escenarios, como cuando Peter Townshend, deleita al público, haciendo el molinillo con la mano derecha al rasgar la guitarra, o por su forma de vestir, y por la imagen que siempre han proyectado, todo ello, encajando perfectamente con la visión rebelde e inconformista, que representa el Rock. 

Son quizá el primer grupo que se comporta de forma muy violenta en los conciertos, manifestada en las famosas destrucciones de guitarra contra los amplificadores, que ejercía ritualmente, Peter Townshend, aunque también Keith Moon, gustaba de romper, de vez en cuando, alguna batería.

El primer single que publicaron, fue en 1964, cuando al grupo no se llamaba aún The Who, sino,"The High Numbers". Excelente carta de presentación para entender porqué adoro a The Who. El tema, se ajusta perfectamente a su estilo inicial, una suerte de Freakbeat, muy del gusto del movimiento "mod", aunque ellos nunca se consideraron mods. La canción es simplemente maravillosa, y encierra todo el espíritu de aquellos años y de aquellos muchachos de clase media baja y trabajadores, que el fin de semana se gastaban el dinero, en fiestas o salas de baile, consumiendo anfetaminas y escuchando por ejemplo a The Who.

De esa misma etapa, pero ya como "The Who", es otra gran canción, "I can't explain", uno de sus primeros grandes éxitos y de sus canciones más interpretadas por otros grupos. Pero, desde luego, si de temazos hablamos, no podemos dejar de hacer mención a esa canción que, a mí todavía me emociona escuchar, como si fuera la primera vez, y que fue para toda una generación, su himno principal. Me estoy refiriendo a "My generation", incluido en su primer álbum, de título homónimo. 

En este su primer LP, estamos hablando de los Who más vigorosos, repletos de esa frescura de sus primeras momentos. Como debut "My generation", es un álbum muy valorable, que aunque, para algunos posee algunas carencias y falta de experiencia, como es de esperar en un primer trabajo, para mí no siendo perfecto, lo califico como muy bueno.

Destacan dos temas por encima de todos, "The Kids Are Alright", uno de sus grandes clásicos de la onda "mod", con un estilo freakbeat muy logrado, y que con el tiempo dio nombre a un documental sobre el grupo en 1979.

Pero sobre todo y como he dicho antes, su gran himno inolvidable, antológico, que recogía el espíritu de toda esa generación alocada, rebelde, que tenía grandes sueños, pero que también quería pasárselo bien, una canción memorable. Con todos ustedes: 

"My Generation"

Tras la buena acogida, que tuvo el álbum, en 1966 lanzaron varios sencillos muy interesantes, en el que continuaban con su estilo R&B y freakbeat, como "Substitute", " Pictures of Lily"  y la casi psicodélica " Happy Jack".

A finales de ese mismo año, publican "A Quick One", álbum que supone un giro radical en su estilo, no solamente en lo relativo al tipo de música que hacían, sino al nuevo planteamiento que querían dar a la banda, alejándose del movimiento mod y empezando a concebir discos conceptuales. 

Son varias las hipótesis que podemos barajar, para que se produjera esta decisión, entre ellas, la más importante fue el interés del productor del grupo, Kit Lambert, por el Rock experimental, inquietud que compartía con Peter Townshend. Hasta el momento, este tipo de ideas, había tenido su antecedente en el "Sgt- Peppers" de los Beatles, como álbum conceptual y también en el "Something else by the Kinks" de los Kinks, aunque no debemos despreciar la convulsión que supuso la aparición en Estados Unidos, del álbum "Freak Out" del extravagante y genial, Frank Zappa y su banda "The Mothers of Invention". 

Detrás de todos estas propuestas, subyace la idea, de transformar el Rock en algo más que R&B o en una plataforma para la revolución, y transformarlo en un lenguaje de mayor valor artístico, hasta el punto de intentar emparentarlo con un "arte total". Es decir que el Rock fuera, como las óperas de Wagner, un medio que contuviera otras formas de expresión artística, como por ejemplo, mayor teatralidad, acompañar los conciertos con vistosos espectáculos escénicos, performances y finalmente la fusión de la música con las imágenes, idea que cristalizó con mucho acierto, en el posterior desarrollo del vídeo musical. También se buscaba, que las canciones no fueran tan cortas, se desarrollaran más y tuvieran algún planteamiento de carácter intelectual. 

De este modo fue, que The Who se inclinaron por la nueva vertiente de álbumes conceptuales y experimentales, que estaba surgiendo en esos momentos, finalizando ya la década, en el Rock británico. Así, en "A quick One" intentan hacer su primer ensayo en el último corte del disco, de una ópera rock muy rudimentaria, y un tanto inmadura, pero que apuntalaba ese cambio profundo en el grupo. 

"A Quick One", es un excelente trabajo, que puede clasificarse, por tanto, como un álbum de transición, en el que todavía existen canciones buenísimas del gusto "Mod", como "Run Run Run" o temas psicodélicos como "A wiskey man". Pero sobre todo, la aclamada y sensacional "Boris The Spider", compuesta por el bajista John Entwistle, de corte claramente psicodélico, y con una trama de terror, en el que lo que sobresale, junto a la voz grave y fantasmagórica, precisamente es el excelente acompañamiento melódico del bajo de Entwsitle.                         

Fabulosa sin duda.

El disco concluye con una corte de algo más de 9 minutos, que como he señalado, es un ensayo de ópera rock, y que sería la base argumental, para su obra Tommy. Pero antes de llegar a este hito en la historia de los Who, grabaron su tercer trabajo, "The Who Sell Out".

Un álbum de lo más curioso, en el que a nuestra banda no se les ocurre otra cosa que hacer un homenaje a las radios piratas, en clara alusión  a su vocación underground, por si alguien pensaba que la habían dejado de lado.

Con "The Who Sell Out", The Who, continúan con la pretensión de hacer álbumes conceptuales. Es esta ocasión, la temática, responde únicamente a aparentar la emisión de una radio, en concreto "Radio London" para lo cual, se molestan incluso en hacer una pequeña "entradilla" radiofónica, para cada canción. El álbum, tiene la intención además caricaturizar a la sociedad consumista, en este sentido la portada es bastante explícita. Personalmente, creo que el disco, a pesar de  ser muy divertido e interesante, no termina de cuajar, tal vez por ser una propuesta demasiada arriesgada. Lo que ocurre es que, encuentro que en general, todo el grupo está un tanto desdibujado y siendo mayoritariamente las canciones próximas a la psicodelia, tampoco terminan de acogerse al género. Son más bien canciones satíricas, en los que se echan falta un rock más directo y transgresor. En otras palabras, no es su mejor disco, pero contiene momentos brillantes y muy originales.

Y con esto ya llegamos a lo que es la obra más significativa, y recordada del grupo, junto a "Quadrophenia". Me estoy refiriendo, como no puede ser de otra forma, al álbum "Tommy." 

Finalmente, The Who, consiguen su sueño de grabar una ópera rock de larga duración, más de una hora, con un listado de canciones casi todas compuestas por Peter Townshend. Todo un prodigio, con el que The Who se convirtió por derecho propio, en toda una referencia del Rock experimental y de vanguardia. 

Se trata por tanto de un proyecto muy ambicioso, a la medida de lo que buscaba Townshend, que incluso se puso al mando de los teclados, como por ejemplo, justo al arranque del disco, un tanto horterillas, todo hay que decirlo. 

Una de las cuestiones más sugerentes que me plantea Tommy, es su vinculación con el Rock progresivo. Es algo que vengo leyendo ya en algunos críticos y aficionados y con los cuales, la verdad es que coincido bastante, algunos de los cuales, en un exceso de  celo, consideran que The Who, hacen Rock progresivo. En absoluto, The Who no son una banda de Rock progresivo, pero sí han participado e influido, en cierto modo, en los movimientos incipientes del género.

Más allá de que se trate de una ópera Rock, que evidentemente ya nos remite y vincula con ese subgénero progresivo, llamado "Rock sinfónico", la misma música, sin ser evidentemente Rock progresivo o Rock sinfónico, sí ha podido influir bastante en el desarrollo posterior de este género, que precisamente en este año 1969, ya existía aunque en estado embrionario. Grupos como The Nice, Moody Blues, Génesis o Pink Floyd eran ya referentes del género, y habían dado los primeros pasos para ese incipiente Rock progresivo.

"Tommy" tiene, tanto en su estructura musical, en sus armonías complejas, en las secuencias de los acordes, en la instrumentación, y en los arreglos, elementos que recuerdan al Rock Progresivo. En unas declaraciones que hizo el mismo Peter Townshend, afirmó, que The Who, era un grupo más cercano a rock progresivo que Led Zeppelin, lo que nos está indicando que por la mente del genial guitarrista, sí estaba la intención de aproximarse a este nuevo estilo y que veía en él mucho futuro. Yo por mi parte creo que sí que hay bandas de progresivo que sean fijado en "Tommy", como por ejemplo, Génesis o Pink Floyd. 

Con respecto al argumento, apuntar que nos da una visión desoladora de la conducta humana. El protagonista, es un niño llamado Tommy, que es un auténtico antihéroe y que es testigo de como sus padres, cometen un asesinato, en concreto el del amante de la madre, cuando el padre de Tommy les descubre, al regresar de improviso, de la primera guerra mundial. Sus padres le dicen con amenazas, que no puede contar nada de lo que ha presenciado. Como consecuencia, Tommy sufre un trauma, por el queda ciego, mudo y sordo. Posteriormente y tras varios avatares e intentos de curación, Tommy se recupera y de la noche a la mañana se convierte en un héroe, para la sociedad, que le ensalza como un ídolo, pero pronto le rechaza de nuevo, cuando Tommy no cumple con sus expectativas. Finalmente, Tommy, vuelve a recluirse y regresa a su mundo interior, en una clara referencia a que la salvación, está dentro de cada uno de nosotros y no en la hipócrita adulación externa. "Tommy," es una reflexión sobre el sentido de la vida y sobre la espiritualidad a la que Townsehand se había acercado, por medio del gurú "Meyer Baba". También hay una crítica velada al falso paraíso de las  drogas, que fracasaron en la curación de Tommy. 

Portada del álbum "Tommy"

Musicalmente el álbum, es muy bueno, aunque un tanto irregular. Tal vez, no estaban suficientemente maduros, para acometer un proyecto de esta envergadura, como si que lo estuvieron posteriormente, con su otra ópera Rock, "Quadrophenia". En ocasiones, caen en cierta artificiosidad, por buscar, el efecto de una ópera clásica, error que no cometieron en "Quadrophenia". Sin embargo cuando retornan al Rock, como es el caso de "I'm Free", con su elegante riff, me parece que alcanzan sus momentos más brillantes. A destacar la colaboración magnífica como siempre, del gran pianista Al Kooper.

No obstante, en conjunto se trata de una obra notable, meritoria, evidentemente imprescindible, tanto para la historia del rock como para la propia historia de la banda. 

Posteriormente, en 1975 se rodó una película, con Roger Daltrey, en el papel de Tommy y con un plantel de lujo, Eric clapton, Tina Turner, Elton John o Jack Nicholson, en lo que suponía la primera incursión en el cine del grupo, algo que repetirían en más ocasiones.

Precisamente del film, que dirigió Ken Russell, voy a seleccionar este momento inigualable, que se corresponde con el momento en que Tommy se había convertido en un héroe, con un Elton John pletórico, antológico, interpretando, una de las mejores canciones del álbum, titulada " Pinball Wizard".

Para quien quiera escuchar la ópera rock entera y disfrutar de ella y no perderse absolutamente nada, la pongo aquí a continuación, disfrutarla.

Con esto concluyó el repaso a la carrera de los Who, durante la década de los '60. No os perdáis la próxima publicación, en donde pongo rumbo nuevamente al país que inventó el Rock and Roll. Regreso a EEUU para hablar de un dúo inolvidable. Nos vemos.

Nacho Díez

The Kinks. Los reyes del Riff

The Kinks, son uno de mis grupos de cabecera de los '60, y de muchos de los amantes del Rock'n' Roll. A día de hoy está fuera de discusión, que pasan por ser uno de los grupos más influyentes del Rock británico, habiéndose convertido con el tiempo, y por méritos propios, en un grupo de culto.

Su influjo puede palparse de forma notoria en las escenas más alternativas undergrounds del Rock, inspirando a muchos grupos de garaje, de rock duro, e incluso habiendo sido una de las referencias fundamentales del punk, antes que los "Stooges" de Iggy Pop, o también dejando un importante huella, en artistas de la talla de David Bowie.

El nombre del grupo que alude en cierto modo a la idea de "tortuoso o pervertido", ya anticipa que nos encontramos ante un grupo especial, valiente y sin concesiones. Kinks, es una de esas palabras ambiguas, que podría traducirse de varias formas, así que podemos considerar que el nombre traducido sería algo parecido a los obsesivos, los retorcidos, un nombre tempranamente desafiante para la época.

Aunque su trayectoria en las décadas siguientes, continuó aportando calidad a sus obras, es en la de los '60, en la que brillan con más intensidad y en la que publican sus mejores trabajos.

Como los Rolling o The Who, The Kinks son originarios de Londres. Formados por los hermanos Davies, Ray y Dave, ambos voces y guitarra aunque, la guitarra principal siempre sería la de Ray, Peter Quaife al bajo, y en la batería Mick Avory. Una formación que ha sido siempre bastante estable, con puntuales sustituciones, por motivos en general, de fuerza mayor y a la que ocasionalmente y sobre todo a partir del año 1967, se añadieron secciones de viento o piano, a medida que las canciones del grupo se iban haciendo más complejas y elaboradas. 

Indiscutiblemente, Ray Davies ha sido siempre el miembro más destacado del grupo, su alma principal y quien se encargaba de casi todas las composiciones, y de esos inolvidables, poderosos e impresionantes riffs, que son las señas de identidad más destacada de The Kinks, y que le han válido estar considerado a día de hoy, un auténtico músico de culto, adorado por generaciones y generaciones, que siguen viendo en él, a un músico auténtico, de fuerte personalidad y que encarna, la imagen ideal del rockero ajeno a las modas y las tendencias, creador por sí mismo de nuevos estilos y géneros.

Ray Davies es sin duda uno de los personajes más interesantes que ha dado el Rock británico, pero también, por ello mismo, es cierto que su omnipresencia en The Kinks, ha podido resultar a veces contraproducente, por convertir a la banda en algo, demasiado personal, que además generó, como no puede ser otro modo, muchas tensiones con los otros miembros del grupo, incluso con su propio hermano Dave, y que es la razón de ciertos altibajos, que se aprecian claramente en la trayectoria del grupo.

Uno de los aspectos más interesantes, que se aprecian en The Kinks, es que no han seguido un estilo uniforme. Desde su fundación en 1964, se pueden diferenciar básicamente dos grandes etapas intercaladas, por una de transición, que van desde su primer LP, de título homónimo "Kinks", hasta su tercer trabajo, "The Kinks Kontroversy". En su primer período, son un grupo fundamentalmente de puro Rock and roll, con canciones cortas de dos o tres minutos, que remiten inevitablemente a lo que luego harían los "Ramones", en el que destaca la voz rasgada, desafiante, en ocasiones distorsionada de Ray Davies y sobre todo, los riffs pegadizos, poderosos, enérgicos, inolvidables, diría que antológicos, que creaba Ray Davies con su guitarra. Es un tiempo en que su sonido rockero es muy puro, mezclado con un sonido beat muy remarcado. 

Sin embargo a partir de su cuarto álbum, empezó a producirse una mutación bastante apreciable en su estilo, que se plasmaría finalmente a partir del año 1967 con el aclamado LP" Something else by The Kinks", y que sería ratificado finalmente, en los dos siguientes trabajos, también muy valorados por la crítica y sobre todo por sus más fieles seguidores, a pesar de ese cambio tan espectacular en el sonido, en el que veremos que pasa de ese rock and roll muy puro, y de ese beat potente y acentuado, con esos riffs únicos, a una música bastante más tranquila, pero muy original y que puede calificarse de cercana, a lo teatral o escénico.

Una de las primeras grabaciones que hicieron, fue es y será una de las mejores canciones de la historia del Rock. Menuda carta de presentación fue ese single titulado: "You Really Got me", un tema que cualquier banda desearía firmar, cercano al sonido del garaje rock y que anticipa con cinco años, lo que iba a ser el rock duro. La canción comienza, con uno de los riffs más ensalzados y recordados de todos los tiempos, que se ve particularmente favorecido por ese sonido distorsionado, seco de la guitarra de Ray Davies, que hace las delicias de cualquier amante de lo Underground. Damas y caballeros, con todos ustedes, "You Really Got me.

Tremendo!!! Pero ahí no queda la cosa, ese mismo año lanzaron otros sencillo histórico, tan bueno, tan potente, tan duro, más de garaje rock, si cabe que "You Really Got me", con esa voz casi metálica de Ray Davies. Ante canciones, que han marcado la historia del rock, solamente cabe escucharlas y disfrutarlas. " All day and all of the night". Qué maravilla!!!!

Inmediatamente, The Kinks, pasaron a formar parte del elenco de grupos de la invasión británica, y fue sin duda uno de los más populares de ellos, hasta que, sus actuaciones en directo, en todo el territorio de Estados Unidos, fueron prohibidas, al parecer, por los escándalos y los incidentes que provocaban. 

Esto supuso un punto de inflexión en la historia de la banda y quizá lo que justifica y explica el cambio de estilo que se produjo a partir de 1966. Probablemente Ray Davies, al ver que la expansión en EEUU, les estaba vetada, decidió centrarse exclusivamente, en el mercado británico y tal vez de forma natural, empezó a decantarse por temáticas propias del mundo y la cultura inglesa, lo que desembocaría en un acercamiento progresivo a un estilo próximo a la revista musical o a una especie de música de rock teatral, de espectáculo, incluso de vodevil, que recuerda al music Hall, de la época victoriana. También es posible, aunque esto es una especulación, que el grupo, advirtiendo el rumbo que habían tomado The Who, en su segundo álbum "A Quick One", en el que aparece el primer esbozo de ópera rock, con la canción homónima y que luego se consolidaría con "Tommy", pensara que sería una buena idea, acercarse al mundo escénico y teatral.

Pero no adelantemos acontecimientos, todavía nos encontramos en la primera etapa, de la que el segundo y tercer álbum, personalmente me gustan muchísimo, aunque la banda, no haya mostrado demasiado apego por ellos. 

The Kinks, a lo largo de esos años, mantuvieron una estrecha relación con los Beatles, y muchas veces no se sabe quién influyó a quién, aunque resulta claro, que se admiraban mutuamente. De 1965, es esta gran pieza, que anticipa el empleo por ejemplo del sitar, que luego hicieran tan famoso los Beatles con ese sonido claramente orientalista y próximo a la psicodelia.

A que recuerda a los de Liverpool?

El tercer álbum, " The Kinks Kontroversy" es una respuesta irónica a la prohibición de tocar en Estados Unidos. Es también un disco muy redondo, y contiene como sencillo uno de sus temas más alabados y con razón, pero que ya esboza el anuncio de su nuevo estilo, de tono más teatral y alejado del rock y el Beat más duro. "Dedicated follower of fashion", es una obra maestra de ese nuevo estilo, con un gran talante teatral e histriónico, que iba a ser la nueva seña de identidad del grupo y en la que, hasta la misma voz de Ray Davies, cambia muchísimo, adecuándola para una música de carácter más escénico, pudiendo apreciarse que se torna mucho más modulada, no tan lineal como cabe esperar en una voz de un cantante de Rock.

A finales de 1966 publican, "Face to face", no es un disco que me guste especialmente, entre otras cosas, porque es una transición, entre ambos momentos estilísticos, en la que todavía no han logrado depurar bien el sonido que estaban buscando.

En 1967 aparece otra obra maestra, "Waterloo Sunset", incluido en su siguiente LP, "Something else by The Kinks", que ratifica finalmente el nuevo rumbo de la banda, ya ahora sí, bien asentada en su nuevo sonido y en su mejorada y ampliada instrumentación más completa y con arreglos más cuidados. 

En el 68 y 69, publican sus dos siguientes trabajos, "The Kinks are The village Green preservation Society" y "Arthur ( of The decline and fal of The British Empire)", ambos, son dos álbumes conceptuales, de los primeros que surgieron en la historia del Rock, hasta en esto fueron innovadores The Kinks. Los dos, cosecharon las mejores opiniones de crítica y público, y se consideran incluso, los discos que representan su época dorada, muy del gusto británico, porque ahondan en esa tradición teatral, en ocasiones cómicas, en otras no tanto, en la que Ray Davies se torna en una especie de cronista de la Inglaterra de su tiempo, decantándose por canciones con letras irónicas, de crítica social, satíricas con las costumbres británicas, por tanto, como vemos una música ya alejada de temáticas propias del rock and roll, de chica busca chico, sino de un rock más serio, más adulto, más comprometido, lo que ha redundado y favorecido la reputación de la banda. Al mismo tiempo en cambio, las letras también, honran con absoluta sinceridad, el costumbrismo de las gentes sencillas del campo, apegadas a la tierra, alejada de las urbes industriales, pero y esto es lo meritorio, sin caer en ningún momento en composiciones de tipo folk rock. Con esto quiero decir que  The Kinks, fueron capaces, de acercarse a estos temas, pero siguiendo los patrones de ese nuevo estilo, tan único que habían creado, sin necesidad de haber hecho lo fácil, que hubiera sido remitirse al folk. Una vez más The Kinks, demuestran con ello, que son capaces de ser tan originales y tener tanto talento, que en todo momento pueden ir contracorriente y hacen lo que nunca cabría esperar que tuvieran que hacer.

De cualquier modo, a pesar de contar con grandes canciones y desde luego ser obras de mucha calidad, personalmente no me entusiasman tanto, como lo hacen, la frescura más rockera y dura, que brota de los discos de sus primeros años. Me gustan, tienen momentos de fuerza, en ocasiones son divertidos y descarados, pero con todo, me quedo con la primera etapa.

Ya en la década siguiente, publican "Lola versus powerman and the moneyground", que por ser de 1970, no voy a tratar ahora. Se trata también de un disco de carácter conceptual, absolutamente prodigioso, porque precisamente, tiene la virtud, de unir a ese talante y vocación teatral satírica, la recuperación de la base de rock and roll y de empleo del riff, que habían desaparecido de sus últimos trabajos, y es algo que se nota y se agradece mucho. Para mí es uno de los mejores Lp´s de toda su carrera, y es que The Kinks, son sin duda alguna, antes que ninguna otra cosa, los reyes del Riff.

Me resulta absolutamente imposible resistirme a poner ese pedazo de canción súper buenísima que es "Lola", que ejemplifica perfectamente lo que estoy diciendo, esto es, un tema, al más puro estilo de sus primeros trabajos, pero que también participa de ese género burlesco y satírico, de su segunda etapa.

Nacho Díez 

The Rolling Stones y III

1968, es tal vez el año en el que The Rolling Stones, inician su etapa de madurez estilística. Después de un año muy creativo, pero muy difícil para la banda, los Rolling empiezan a ver nuevamente la luz, aunque no sin pagar un alto precio por ello, debido a la desaparición de uno de sus miembros más emblemáticos, discutido por muchos, ensalzado por otros, entre los que me encuentro, pero que fuera de toda discusión, fue un aporte fundamental para los primeros años de la banda. Me refiero evidentemente a Brian Jones. 

Con un nuevo productor que venía de trabajar con Traffic, una de las grupos que luego iban a ser pioneras del Rock progresivo, los Stones lanzaron un sencillo promocional, de lo que iba a ser su siguiente LP, "Beggars Banquet" y que se convirtió en uno de uno de sus grandes himnos, tan potente y enérgico como el "Satisfaccion", el célebre "Jumping Jack Flash". 

"Beggars Banquet", es una auténtica joya de la historia del Rock and Roll, en el que hasta la portada es absolutamente un referente icónico, que luego ha sido imitado hasta la saciedad por un montón de grupos. 

Portada en su momento polémica de "Beggars Banquet"

Para mí y para muchos, casi hay un consenso generalizado al respecto, se trata de su mejor trabajo, en que se integraba todo lo que había aprendido el grupo en los años anteriores, y que después del delirio psicodélico del álbum anterior, y de las pobres ventas que generó, supuso un regreso decidido al estilo genuino de la banda, un abrazo y una entrega total a las raíces más auténticas del Rock and Roll y el R&B, un disco sin fisuras, absolutamente redondo, en que todas las canciones son buenísimas. 

Debo confesar, que de todas ellas, personalmente me quedo con "Street Fighting Man", un tema absolutamente impresionante y que siempre me he fascinado, tal vez en el que los Rolling están más puros, más impulsivos, más directos. Es una canción sin concesiones, con una guitarra de un sonido seco y rotundo, a la que se acopla perfectamente la voz de Jagger. 

Y como no, uno de sus clásicos fundamentales, tal vez con "Satisfaccion", creo que la canción más laureada de los Stones, que a día de hoy aún sigue causando furor, incluso en las generaciones más jóvenes. 

Más allá de que la polémica que le envuelve, desde el punto de vista estrictamente musical, es una obra maestra absoluta, el tratamiento tan moderno que tienen los arreglos de guitarra, la melodía superpegadiza y la perfecta compenetración de todos los instrumentos, destacando los inolvidables coros que acompañan toda la canción, el piano rítmico y la sección de percusión, en la que sobresalen el uso de la conga.

Con todos ustedes "Sympathy for The Devil"

Otras canciones que a mí me gustan muchísimo también son: "No expectations", Stray Cat Blues" y "Salt of the earth".

Tras la reconciliación con el público y la crítica y el éxito que obtuvo Beggars Banquet, los Rolling, demostraron estar en plena forma y dispuestos a seguir ofreciendo lo mejor de sí mismos como así sucedió con su siguiente álbum "Let It Bleed", que en efecto da continuidad a la época dorada de los Stones, que se vio consolidada en los dos álbumes posteriores, pero que no vamos a ver porque son de los '70.

También supuso un punto de inflexión muy importante para la banda porque como he dicho al principio, uno de sus integrantes más importantes, diría adiós al grupo. 

Son varias las razones que produjeron el despido de Brian Jones, fundamentalmente y para no andar con muchos más detalles, podemos nombrar, los problemas legales con la justicia, los problemas con el exceso de consumo de drogas, pero sobre todo que no se llevaba en absoluto ni con Mick Jagger, ni con Keith Richards, pero es que además este último, le había robado la novia y a Brian Jones, sólo le faltaba eso, para perder completamente el rumbo de su vida.

Tras participar única y fugazmente en dos temas, una vez expulsado del grupo, fue sustituido por un peso pesado de la guitarra, Mick Taylor, un auténtico acierto de fichaje, y es que Mick Taylor, era ya un experimentado guitarrista, que venía de formar parte ni más ni menos que de John Mayall & Bluesbreakers, un súper grupo de blues rock, que aparte del propio Mayall, tuvo integrantes de la talla de Clapton y Jack Bruce, que luego formarían otros supergrupo, los Cream, junto a Ginger Baker, o el baterista, Aynsley Dunbar, que años después tocó con Frank Zappa.

Se trataba evidentemente de un seguro a todo riesgo y así fue, Mick Taylor aportó, con su oficio, tal vez el mejor sonido de la historia de los Rolling, en sus cinco años de pertenencia a la banda.

Con relación a Brian Jones, apuntar que no se tomó tan mal la expulsión del grupo entre otras cosas, porque me imagino que se la esperaba y porque de algún modo él ya tenía en su cabeza algún proyecto para hacer en solitario, pero que desgraciadamente se vio truncado por su prematura muerte justo un mes después de abandonar el grupo. 

Aunque hay especulaciones acerca de lo que le sucedió, según el relato oficial se ahogó en su piscina cuando se encontraba nadando en estado avanzado de ebriedad, pero como digo hay quien piensa que puede tratarse de un suicidio o quién sabe si alguna otra cosa. En cualquier caso, como todo héroe mítico del Rock, murió joven, en la fatídica cifra de 27 años, edad que coincide precisamente con la muerte de Hendrix, de Jim Morrison, de Janis Joplin... bueno no voy a seguir. Al igual que todos ellos, Brian Jones vivió su vida intensamente y fue un auténtico rockero que prefirió no llegar a viejo.

Existe una disputa entre la crítica y los propios fans, con respecto a cuál es mejor disco, si "Beggars Banquet" o "Let It Bleed", y con ello además, cual es el mejor de la historia de los Rolling. 

Para mí, "Let It Bleed", es algo inferior a "Beggars Banquet". No posee ningún superclásico para el gran público, aunque contiene canciones muy apreciadas. Además le encuentro un pelín más convencional, me refiero menos arriesgado en su propuesta. Es cierto que es muy maduro y que el grupo está tremendamente inspirado, unido al hecho, de que es un disco con mucho oficio, pero le falta un punto de brillantez, como la que tiene "Beggars Banquet", por lo demás, por supuesto se trata de un gran trabajo también, en el que los Stones se reafirman en su amor por todas las raíces del Rock and Roll. 

Así, "Let It Bleed", contiene, temas de country, de Blues, de soul, de Rock and Roll, incluso en mi opinión, un claro reconocimiento a alguien que fue muy importante para los Rolling, me estoy refiriendo a Bob Dylan, en la canción "You Got The Silver", y en la que se produce la curiosa circunstancia de que la voz la pone por primera vez en la historia de los Rolling, Keith Richards. Es como si el álbum quisiera ser un homenaje a toda la música que ellos amaban.

Las tres canciones que más me gustan son la primera que abre el disco y la última que cierra el disco junto con "Midnight Rambler", un soberbio blues en el que Mick Jagger se sale con la armónica, absolutamente fabuloso. 

La canción que abre el disco, "Gimme Shelter", es una obra maestra en la que, cuentan con la colaboración de la cantante Merry Clayton, que da un toque de calidad a un tema, que se constituye finalmente como un precioso y excelente "soul".

Y cerrando el LP otra obra maestra,
"You can't Always Get What You Want", con esos coros iniciales infantiles, seguidos por los acordes que anuncian la bellísima melodía de toda la canción, que va avanzando mágicamente, hasta mostrarse como un gospel conmovedor. Personalmente me trae muchas reminiscencias de "The Velvet Underground". 

Hasta aquí este recorrido muy breve por la historia de los Rolling, a lo largo de la década de los '60, en el que he intentado dar las pinceladas fundamentales, de una de las bandas más importantes de la historia del Rock and Roll, los grandísimos e inmortales Rolling Stones.

Nacho Díez 

The Rolling Stones II

En esta segunda entrada dedicada a la trayectoria de The  Rolling Stones, durante la década de los 60, llegamos a 1967, momento que significó un punto de inflexión de la carrera de los Stones. Si a lo largo de los años precedentes, la banda se había erigido, sin duda en una de las más emblemáticas de Rock'n'Roll mundial, a partir de ahora, su importancia  en el panorama musical, experimentaría un incremento considerable, no sólo por la mejora en la calidad artística, sino también, como por la repercusión mediática que supusieron, los continuos escandalos en los que se veían envueltos los miembros del grupo, que provocaron incluso, la separación, de quien había sido su manager hasta entonces, Andrew Lood Oldham. 

Sea como fuere, nos encontramos ante los años más creativos del grupo con diferencia, como consecuencia de la evolución de su sonido, que vino de la mano de su entrega a la psicodelia. 

Precisamente, adquirieron tanta inspiración que en este año, publicaron dos Lp's, uno a principios de año y otra finales. 

El primero, "Between the buttons" es un álbum en el que  claramente, los Rolling  dejan a un lado el Rock and Roll más genuino, para decantarse por el género psicodélico, que en esos momentos se encontraba en plena expansión. 

Además, "Between the buttons", cuenta con una presencia más significativa del piano, que aportó al conjunto de las canciones, un toque más relajado y sofisticado.

Y hablando de canciones, cabe destacar sin duda, ese gran tema que es "Let's spend The night together", que a pesar de no alcanzó el número uno, es una de sus grandes composiciones, tal vez favorecido en el tiempo, por la excelente versión que hizo Bowie, en el 73.

Con el que sí consiguieron el número uno en USA, fue con "Ruby Tuesday", una canción a caballo entre la psicodelia y el Rock barroco, con la que nos podemos deleitar, escuchando a Brian Jones, tocando la flauta.

En plena efervescencia del consumo de drogas, en el ámbito del Rock, (una de las razones fundamentales por las que la banda se se internó en la psicodelia), sucedería un acontecimiento que sería de gran importancia para el devenir de los Rolling, y es que tanto Jagger, como Keith Richards, fueron acusados de tenencia y consumo de alucinógenos. Como consecuencia de ello, se las tuvieron que ver con la justicia británica, circunstancia que incluso les supuso el ingreso en prisión. La presión de los fans y el apoyo de algunos músicos de otros grupos como los de The Beatles, rebajó la tensión y las condenas, pero no pudo evitar, la desavenencia final con su manager.

Sin embargo cuando peor estaban las cosas y de modo difícilmente explicable, publicaron y grabaron (lo que no es poco), ese monumento psicodélico, que lleva por título, "Their Satanic Majesties Request", toda una declaración de intenciones y también, una continuidad con la propuesta psicodélica que se planteaba ya en "Between The buttons", al que supera, no solamente en calidad, sino inspiración. 

Se trata de un álbum muy ambicioso, en comparación con lo que habían hecho hasta entonces y que se grabó en unas condiciones dificilísimas, por el abandono del manager y también como consecuencia, de que estaban siendo procesados judicialmente, lo que convirtieron las sesiones de grabación, en una montaña rusa de emociones y complicaciones técnicas, en los que  los trabajos de producción, se vieron muy afectados... y sin embargo salió un disco que a pesar de que no gustó a todos sus seguidores, ni a parte de la crítica, por el alejamiento que supuso del estilo propio del grupo, y que por añadidura, supuso un varapalo económico por sus pobres ventas, personalmente creo que a día de hoy, hay que hacer justicia y considerarlo como uno de los mejores y sobre todo valientes de toda  la producción de los Stones. 

Lo único que me parece reprochable para mi gusto, es el intento de estar emulando continuamente a los Beatles, que casi se convirtió en una obsesión, hasta el punto de que el álbum ha sido criticado por parecerse en exceso al planteamiento de "Sgt. Pepper's", incluso en la portada, que en efecto, guarda mucha similitud con el mítico Lp de los Beatles, lo que por otra parte, no redundó en absoluto, en ningún tipo de rivalidad real con los Beatles, puesto que en el fondo se llevaban perfectamente con ellos.

Hay que tener en cuenta un aspecto muy importante de este disco y es que fue el último en que Brian Jones, aportó todo su talento la banda, ya que en el siguiente, "Beggars Banquet", estuvo menos presente, anticipando su salida del grupo.

Es un disco bastante completo en el que prácticamente todas las canciones son muy buenas, aunque para mí gusto, desde luego la mejor y además uno de los mejores temas de los Rolling es, "She's a Rainbow"

Me gustaría destacar también "2000 Light Years From Home", por varios motivos, el primero porque es un tema fabuloso, que refleja ese espíritu ambicioso que impregna todo el álbum, el segundo porque es prácticamente la última vez que vemos a un Brian Jones brillante, en este caso acompañando con el mellotrón, y por último por ese aire que tiene tan próximo a lo que estaba haciendo ya Pink Floyd, sobre todo en lo que se refiere al sonido espacial. Disfrutarlo

Queda una tercera y última entrega, que completará esta visión que hemos hecho de los Rolling Stones durante la década de los 60, en la que vamos a ver qué pasó finalmente con Brian Jones y el resurgir de la banda, después de un año tan loco, que dió lugar finalmente a uno de los momentos más brillantes de los Rollings.

Dos grandes grupos: The Pretty Things y The Zombies

Hace unos días os estuve hablando de aquellos grupos que habiendo sido muy populares en su tiempo, en la actualidad estaban un tanto relegados, habiendo quedado como una especie de grupos menores, respecto de sus coetáneos, The Beatles, The Rolling Stones o de The Kinks.

En concreto voy a referirme a dos bandas muy diferentes entre sí y a la vez, ambas muy atractivas. 

En primer lugar, los en mi opinión, muy infravalorados,  The Pretty Things, un grupo que atesoraba mucha calidad y un sonido potente y muy bien instrumentado. 

Por otra parte, también quiero hablar, de un grupo que sí que es muy reconocido por la crítica y con justicia la verdad, que son The Zombies. 

El caso de The Pretty Things, es el típico de una banda absolutamente prodigiosa, perfectamente coordinados y con unos temas fabulosos, pero que tal vez por falta de buen manager o porque eran verdaderamente muy auténticos,  no han tenido el eco que se merecen. Alejados un tanto, tal vez por ser londinenses como los Rolling, del movimiento beat, y con un estilo claramente en sus inicios fundamentado en el Blues y posteriormente, ya entrando en los setenta,  en el Blues Rock, pero también con toques de psicodelia, The Pretty Things, son a mí parecer una banda indispensable, muy interesantes y que se escuchan con verdadero placer.

Como ejemplo sirva esta fantástica "Don't Bring me down", donde se puede apreciar lo buenos e intensos que eran en directo.

Pero es que ojo a esta otra maravilla de la psicodelia, "It'll never be me" sin comentarios 

Pero es que además, The Pretty Things, ostentan el privilegio de ser el primer grupo que compuso una ópera Rock, titulada "SF Sorrow", un año por delante incluso, que el "Tommy" de The Who. Desde el punto de vista musical es una obra muy interesante, encuadrada dentro del rock psicodélico, y que nada tiene que envidiar a Tommy. Incluso a mí me gusta casi más, sin con ello desmerecer a los Townshend y compañía. Cómo digo una banda, a tener muy en consideración.

The Zombies, son otra banda de indudable talento, que contaba con dos grandes músicos, el teclista Rod Argent y el guitarrista Paul Atkinson. El primero formó posteriormente una interesante banda de rock progresivo, que se llamó precisamente Argent, mientras que, Paul Atkinson se convirtió en directivo de una importante discográfica.

The Zombies son un grupo, tan polivalente y elegante y con tanta calidad, que son capaces de integrar estilos, como la  psicodelia y el Beat, con total fluidez y sin fisuras, en composiciones muy bien elaboradas.

No puedo por menos que seleccionar una canción que aparte de ser fantástica, tuvo muchísimo éxito, me estoy refiriendo como no  "A time of season"

The Rolling Stones I

Si existe un grupo que sea una leyenda viva del Rock and Roll, una banda legendaria, casi se diría que inmortal, esos son sin duda alguna, los londinenses, The Rolling Stones.

Quien no conoce a sus miembros, quien no conoce sus canciones, quien no ha visto bailar a Mick Jagger alguna vez en el escenario. Poco muy poco, se puede decir que no se haya dicho de estos gigantes supervivientes del Rock más auténtico. 

Como todos los grupos ingleses que eclosionaron en los 60 y fueron protagonistas de la invasión británica, sus orígenes se remontan a 1962-1963, aunque su primera grabación no se realizara, a principios de 1964. 

Aquella formación inicial estaba integrada por: Mick Jagger vocalista, Keith Richards guitarra, el malogrado y genial Brian Jones, el chico para todo, Bill Wyman al bajo y Charlie Watts en la batería, junto a Ian Stewart, quien les acompañaba con los teclados. 

Otros músicos destacados que en algún momento han formado parte de  los Rolling, son el polivalente Ron Wood, actual guitarrista de la banda y el magnífico Mick Taylor, que se encargó de sustituir a Brian Jones, cuando fue echado del grupo, por desavenencias con Jagger y Richards y por sus problemas con las drogas. De esta expulsión y de la consecuencias que tuvo para el grupo se ha hablado mucho y es que verdaderamente, Brian Jones era con diferencia el integrante más interesante de la banda y el que más aportó con su talento a  la calidad y el sonido del grupo, y con quién además, para mi gusto alcanzó, sus mejores resultados, si bien, las composiciones siempre estuvieron a cargo de Richards y Jagger. Se trata de un caso, el de Brian Jones, que guarda muchas similitudes con el del mítico Syd Barret, de los primeros Pink Floyd .

Absolutos adoradores del Blues y R&B más puro, proveniente de los Estados Unidos, y en especial del gran Muddy Waters, de cuyo tema "Rollin' Stone", tomaron precisamente la idea del nombre del grupo, los Stones, son sin duda los más cercanos al espíritu del Rock'Roll, de todos los grupos de su generación inmediata, de aquellos primeros 60, manteniéndose más alejados que el resto de bandas, del movimiento Beat. De hecho no sería hasta la segunda mitad de la década en que, hicieron incursiones en la psicodelia, cuando ésta se encontraba en su máxima apogeo.

Los Rolling Stones siempre hicieron profesión de ser los auténticos estandartes del Rock and Roll inglés, tanto en lo estético, como en lo puramente musical, con sus poderosos y pegadizos riffs.  Es bien conocido que ellos representan el rostro más combativo, más duro, más rebelde del Rock británico, encarnando a la perfección el espíritu primitivo del Rock and Roll. 

Eran los chicos malos en contraposicion, a los bien trajeados y elegantes grupos Beats, especialmente The Beatles, por supuesto. Una auténtica operación de marketing que vino muy bien a ambas bandas y a todo el movimiento "pop" que estaba surgiendo en el Reino Unido, porque en verdad detrás de todas esas fotos, de todos esa apariencia y de todas esas poses, no había más que el interés de crear uno dualidad entre ambas bandas, las más populares como todos sabemos del rock británico y que se encontraban en plena disputa por su primacía. 

Portada de su tercer álbum: " Out of the Heads"

Centrándome en la etapa inicial de su gran carrera, que es obviamente la década de los 60, sus tres primeros LP's estaban integradas, casi exclusivamente por versiones de grandes clásicos del Blues y R&B. Quiero destacar de su primer álbum, la primera canción, muy sosegada y un poco alejada del estilo posterior de la banda, compuesta por Richard y Jagger, de título "Tell me"

No sería hasta lanzamiento de su tercer álbum "Out of our heads", en el que lanzarían como sencillo, su primer gran bombazo, una canción inolvidable desde luego y extraordinaria, estamos hablando como no de "(I can't get no) Satisfaccion". Sobra cualquier tipo de comentario, ante un tema tan legendario.

Hay que llegar a 1966, para encontrar el primer LP con canciones compuestas todas ya por Keith Richards y Mick Jagger. Se trata de "Aftermath", un álbum con el que llegaron al número uno en Reino Unido. En él, se aprecia muy bien su evolución, hacia un sonido más sofisticado y psicodélico. El dúo Richards - Jagger, francamente se salieron componiendo este tema memorable, "Mother's Little Helper", perfectamente secundados por Brian Jones. Os dejo con él para que lo disfrutéis y os espero para la siguiente entrega en el que vamos a ver, el año más difícil y a la vez uno de los más fecundos, de los Rolling.