Años 80. Echo & The Bunnymen o la metafísica del crepúsculo de una era

Es evidente que proceder de Liverpool imprime carácter en esto del Rock, como parece deducirse de la fuerte personalidad de Echo & the Bunnymen, una banda que pretendieron erigirse en algo así como los Beatles del post punk. Más allá de que pudieran conseguirlo, lo que es indiscutible, es que son una de las agrupaciones más genuinas del post punk británico, como demuestra la aureola de grupo de culto que siempre han tenido. 

Cuando se analiza la música de un grupo con tanto temperamento como Echo & the Bunymenn, se corre el riesgo de no reflejar plenamente todas las matices que encierra su música, cargada de atmósferas densas, sombrías y reminiscencias psicodélicas, pero de una psicodelia postmoderna, no de aquella idílica psicodelia que parecía salida de la campiña inglesa de los '60. Su influjo a lo largo del tiempo es muy apreciable, en buena medida por esta carga de psicodelia revisada y adaptada a los años ´80, que les convirtió en uno de los pilares en los se fijaron los nuevos grupos que surgieron en la siguiente generación, artífices del Rock alternativo de los '90 y el movimiento indie.

La arquitectura sonora de Echo & The Bunymenn, responde a una visión existencialista de la vida, que refleja con maestría y una gran carga emocional las almas desesperadas de la juventud británica "sin futuro" de principios de los '80. La riqueza de estilos y géneros que sobrevuelan su música, les ha servido para ser tildados igualmente de intensos y opresivos, o de épicos y urbanos. Echo and the Bunymenn cuentan además con una de las mejores bases rítmicas del post punk británico y en general es una banda que sorprende por el perfecto acoplamiento de sus miembros, que la hace ser muy compacta y muy firme.

Sensacional portada de su disco debut "Cocodriles" 

Por cierto que Echo & The Bunymenn fue uno de los grupos que más gustaba y sonaba en España y en particular en los ambientes alternativos de la movida madrileña. Memorable fue aquella visita que hizo en 1984 al programa "La edad de oro", que presentaba Paloma Chamorro.

El álbum con el que debutaron en 1980 lleva por título "Cocodriles", un disco que responde perfectamente a los postulados del post punk y uno de los preferidos por sus fans. Profundo, directo, es una obra que ayudó a definir el género y que navega en la misma estela cargada de melancolía existencial, que inauguraron Joy Division. El arranque es espectacular, con la canción "Going up" anunciando lo que va a venir después, una música cruda, eléctrica, a base de guitarras rasgadas y acordes distorsionados, sin presencia alguna de sintetizadores, únicamente el cuarteto de músicos que ha sido la base inamovible del grupo, durante la década de los '80. Ian Maculloch magnífico cantante dotado de una voz cautivadora y guitarra auxiliar, Will Sergeant guitarra principal, Les Pattinson en el bajo y Pete de Freitas en la percusión y la batería. El disco que por cierto tiene una portada excelente y misteriosa como todas las de Echo & The Bunymenn, desarrolla un sonido crepuscular y decadente. Me gusta mucho todo el disco, pero destacaría, la mencionada "Going up", la espectacular "Happy death men", un canción de corte experimental, cargado de una fría pero intensa psicodelia, un temazo auténtico. También me gusta mucho "Do it clean", más rockera y marchosa y el cierre del disco con una canción muy punk, "Simple staff". Pero por encima de todas ellas, "Rescue" que es la canción que más me gusta de toda su trayectoria. Una canción perfecta a la que no le falta ni le sobra una sola nota.

Voy a compartir una versión en directo de "Do it clean", con la que se puede apreciar la intensidad de el grupo en vivo.

A "Cocodriles" le siguió un año más tarde, el álbum "Heaven up here". Como cabía esperar mejoran mucho el sonido respecto del primer disco, además de ir ganando en madurez, con un gran trabajo de todos los miembros del grupo. La batería está que se sale, con un Pete de Freitas muy inspirado, el bajo colosal como siempre y las guitarras suenan más sofisticadas y desgarradoras aún que en "Cocodriles". Al principio da la impresión de ser un disco un poco menos oscuro, como la portada en la que se divisa la luz de un amanecer gris, pero es un espejismo, poco a poco el disco se torna nuevamente neblinoso y frío, como la insensible soledad de una sociedad desolada y gris. Hay menos psicodelia y más post punk. La única pega de"Heaven up here" es que es demasiado homogéneo y se echa en falta una canción que destaque, además de pecar de un conceptualismo que le resta un poco la frescura de su primer álbum. Las mejores canciones para mí están en la cara A, especialmente "Show The strange", "Promise" y "With a hip". La segunda cara es más sombría aún, excepto el último corte, la sensacional "All I want", en el que aparece cierto optimismo, tal vez en un intento de mostar una última llama de esperanza.

Una característica común de estos dos primeros discos, como he mencionado es la ausencia de sintetizadores, aspecto muy importante que provoca que el sonido sea más denso y a la vez más frío, auténticamente post punk. 

El tercer álbum publicado por Echo & The Bunymenn lleva por título "Porcupine". Es un disco muy intenso, tal vez más, que ya es decir que los dos anteriores y de corte más experimental. En el disco contaron con la colaboración ni más ni menos que de L.Shankar, el prestigioso instrumentista de jazz indio, que toca el violín y la viola.  Una apuesta muy arriesgada y estimable pero que no contó con el reconocimiento de público y crítica que no terminó de comprender el disco. Tuvieron que pasar los años como suele ser habitual en estos casos, para que empezara a ser valorado como se merece. El grupo evoluciona hacia un sonido algo más evocativo y menos frío, calidez que viene de la mano precisamente de la aportación de Shankar. No obstante el sello de identidad del grupo se mantiene, con las atmósferas crepusculares o la voz profunda, desgarrada y en ocasiones áspera de Ian Maculloch. El disco arranca de forma espectacular con la viola de Shankar en el tema "The Cutter", haciendo adornos arábigos muy originales. Una de las canciones donde Echo & The Bunymenn se encuentran más cohesionados, dando como resultado una de las piezas fundamentales de su carrera.

La presencia de las cuerdas también se encuentran en "Heads will roll". El álbum en general, es más enérgico, incluso marchoso que sus precedentes, algo que se nota sobre todo en otro de los grandes temas" Back of love" segundo sencillo que se publicó del álbum con una guitarra que desarrolla un especie de sonido punzante, por calificarlo de algún modo, muy curioso e interesante. A medida que va avanzando el disco, gana en atmósferas psicodélicas de estilo orientalizante, pero sin poder evitar la opresión existencialista, marca de la casa. De cualquier modo, "Porcupine" no tiene la brillantez, ni la inspiración de los dos discos anteriores y es que estaban empezando a formarse conflictos internos dentro del grupo que les estaban haciendo perder soltura. "Porcupine" es tal vez el punto de inflexión en la historia de la banda, pues dichas diferencias influyeron muchísimo en la grabación de su siguiente LP, que es el más importante, de toda su carrera y con el que intentaron dar lo mejor de sí mismos. 

Estamos en 1984 y los miembros de Echo & The Bunymenn, discuten entre ellos. "Porcupine" no ha funcionado como esperaban, la casa discográfica presiona, y sus fans están desconcertados. Con estos antecedentes, el grupo pretende hacer un cambio radical de estilo y graba el ambicioso álbum "Ocean Rain", considerado su cima creativa. Podemos decir que la apuesta les ha salido bien. Conscientes de que se jugaban el todo por el todo, enriquecen de manera asombrosa la instrumentación del grupo, así como los arreglos y la producción, creando un estilo mucho más sofisticado, cercano al pop barroco, aunque como no, con tintes psicodélicos, en la línea experimental que habían iniciado con "Porcupine". Para lograr este nuevo sonido, se acompañan de una importante sección de cuerda, que incluye violas, violonchelos, arreglo orquestales y también instrumentos tan poco rockeros como congas, marimbas y xilófonos. Evidentemente el disco es muchísimo más melódico que todos sus trabajos anteriores. Se aleja totalmente de los postulados propios del post punk, aunque mantiene sus clásicas atmósferas épicas. Parece claro que la intención que está detrás de "Ocean Rain" era demostrar que ellos no se ajustaban a ninguna etiqueta y que estaban por encima de cualquier género, como todas las grandes bandas de la historia del Rock.

El componente psicodélico brilla en temas como "The yo-yo man" y "Thorns of crowns" ambos excelentes y muy influidos por "The Doors", una de las bandas que más admiraban.  De hecho es en Ocean Rain donde la voz de Ian McCulloch, pretende asemejarse más a la de Jim Morrison.  El álbum como siempre, cuenta con una extraordinaria portada.  

A temas desasosegantes, le siguen canciones más o menos alegres como "Seven seas", una de las mejores del disco o "My Kingdom", un bonito tema en el que podemos disfrutar de los Echo & The Bunymenn más líricos. El disco se cierra con la canción homónima "Ocean Rain" una especie de himno místico que encierra cierta esperanza, con una orquesta de cuerdas magnífica, como pasa en la evocadora "Nocturnal". 

La obra maestra del disco y el tema más famoso de Echo & The Bunymenn, y por los que son más conocidos es la balada de corte neorromantica "The Killing moon". Como le pasa a "Rescue", es una canción que roza la perfección absoluta del principio a fin, y que en la actualidad es considerada uno de los grandes himnos del post punk, cargada de una atmósfera enigmática, que personalmente me evoca en ocasiones, a la magia que desprenden grupos como Ultravox.

En resumen un gran disco, con aires de art rock, que a pesar de que fue bien recibido y de ser aclamado como el mejor de su carrera, no es un disco tampoco demasiado fácil de escuchar. 

Tras dos años largos de parón, en 1987 sacan su último disco de la década, un disco que lleva por título únicamente el nombre del grupo, "Echo and the Bunymenn" lo que da buena cuenta de la falta de motivación, inspiración y creatividad en la que se había sumido la banda, después de haberse vaciado completamente con "Ocean Rain". Es su obra más edulcorada, menos cargada de atmósferas tormentosas y más próxima al pop y en consecuencia alejada del post punk, que para aquellos años era un género ya bastante agotado. Esto no es inicialmente algo negativo, pero si es cierto que es un trabajo en el que el grupo está un tanto perdido y falto de energía. No obstante cuenta con una producción muy buena, lo que hace que el disco suene francamente bien. 

Cabe destacar la colaboración Ray Manzarek, teclista de los Doors, la legendaria banda que tanto admiraban, pero que particularmente me parece que pasa bastante inadvertido. La guitarra que era el instrumento más importante o al menos el que más sonido aportaba al grupo, también está un poco más apagada, aunque con un sonido más limpio y fácil de escuchar. El bajo en cambio, sigue bastante vigoroso y por último la batería acusa los problemas que había tenido Pete de Freitas en los últimos años, en los que se había desvinculado bastante de el grupo, llevando una vida bastante disoluta por otra parte. 

El disco disgustó bastante a los fans y desencadenó la crisis definitiva, de un grupo que había estado demasiado ensimismado tal vez en sí mismo. A pesar de todo no es un mal cierre, hay bandas que han caído con muchísimo más estrépito. Personalmente pienso, que el disco no ha envejecido mal y lo que es más importante, escuchar canciones sencillas y directas se agradece después de tanta música oscura. Como la canción que abre el disco "The Game". También es valorable la voz de Ian McCulloch que es bastante elegante a lo largo de todo el disco, aunque pierde la potencia a la que nos tenía acostumbrados. Otras canciones interesantes son "All in your mind" con un apreciable trabajo de la guitarra y la mejor canción del disco que sea probablemente "Lipes like sugar". Y que voy a compartir

El disco acaba con una balada que recuerda las canciones de Ocean Rain con una orquesta de cuerda muy bonita "All my Life". Sea como fuere el disco la verdad es que obtuvo unas buenas ventas, sobre todo en Estados Unidos, y como digo aunque no es representativo de su estilo, es digno de la banda.

Echo & The Bunymenn, se separó después de la grabación de este disco, fundamentalmente por el tremendo ego y narcisismo de Ian McCulloch, quien cada vez estaba más alejado del resto del grupo, y que empleaba su tiempo muchas veces para realizar declaraciones bastante fuera de tono, con respecto a los compañeros del grupo o incluso a otras bandas. Todo parece indicar que los elogios que recibió a lo largo de su carrera, sobre todo por la crítica, se le subieron la cabeza. Esto unido a un considerable alcoholismo, hacían la convivencia con él bastante difícil. Por otra parte, el baterista Pete de Freitas falleció en un accidente de moto en 1989.

Lo que está fuera de toda discusión es que Echo & The Bunymenn es una de las bandas más interesantes del panorama alternativo de los '80 y que su ánimo experimental vanguardista y atrevido, les convirtió en uno de los grupos más influyentes de la década. Un grupo que al fin y al cabo, nos regalaron con su música, una luminosa oscuridad.

Valoración de su discografía: 

• Crocodiles (1980)                                8  PUNTOS
• Heaven Up Here (1981)                      8  PUNTOS
• Porcupine (1983)                                 7  PUNTOS 
• Ocean Rain (1984)                              8  PUNTOS
• Echo & the Bunnymen (1987)             6 PUNTOS

 

Nacho Díez

Años 80. The Psychedelic Furs o el misticismo existencialista

The Psychedelic Furs es uno de los grupos más sólidos y apreciados del post punk y la new wave británica. Considerados por muchos como un grupo de culto por las propuestas sin concesiones de sus primeros trabajos, en la actualidad, son un grupo claramente infravalorado, tal vez por ser demasiado auténticos y hacer una música muy particular, ya que si bien Psychedelic Furs parte de unas influencias claras que veremos más adelante, se puede decir que nadie suena como ellos. De algún modo es una música inclasificable, pero no porque sea experimental, sino porque no se amolda exactamente a ninguno de los géneros a los que realmente pertenecen, por la forma única en que los afrontan. Psychedelic Furs desplegó durante la década de los ochenta, un sonido denso y saturado, al que contraponían un punto de melancolía y romanticismo introspectivo, que les convirtió en un grupo muy original y con mucha personalidad, resultado también todo hay que decirlo, del bagaje musical y el conocimiento que tenía el grupo de las grandes bandas de los años  60 y 70, de ahí el nombre del grupo, con el que querían dar a entender y dejar bien claro, que ellos iban más por la tradición psicodélica, que por lo meramente punk. Su originalidad radica además en que si bien están muy arraigados al post punk del cual nunca se han terminado de desprender, al menos en los años '80, también participan aunque como digo, de forma muy personal de la new wave.

Psycodelic Furs ha contado siempre con un buen número de miembros y por tanto con una rica instrumentación, empezaron siendo un sexteto, en el que destacaban los hermanos Richard Butler, cantante y auténtico alma del grupo y Tim Butler, que se encargaba del bajo, junto al guitarrista John Ashton, los cuales han sido siempre el pilar del grupo. El resto de los miembros de la banda variaron mucho, aunque han mantenido la constante de contar con la presencia de saxofones. Su estilo, está basado en la creación de atmósferas intrigantes y recargadas, con un sonido algo turbio, oscuro y áspero, basado en guitarras muy distorsionadas y potentes líneas de bajo, en la que el saxofón está presente siempre con un gran protagonismo, al modo en que aparecía en el grupo por excelencia que les sirvieron de inspiración, los maravillosos Roxy music. 

El elemento distintivo más importante que de Psycodelic Furs, es desde luego la voz de Richard Butler, en este sentido son un poco dependientes de él y siempre me ha dado la impresión de que el resto de la banda se encuentra un tanto eclipsada por su presencia y fuerte y personalidad. De algún modo es como si en Psycodelic Furs, no destacara ningún instrumento en especial, excepto la voz. Esto provoca que el grupo suene siempre muy uniforme, algo que les resta algo de dinamismo.  

The Psychedelic Furs en su gira americana de 1982

Lo que está fuera de dudas es que Richard Butler es un artista muy interesante, cuya actividad no solamente se circunscribe a la música, sino también a la pintura, tarea a la que cada vez dedica más atención. Compositor de casi todas las canciones del grupo, aunque a veces compartida por el resto de miembros, lo más llamativo de él es su voz profunda, desgarrada, ronca y áspera, que parece contagiar al resto del grupo, que le acompañan en todo momento también un sonido áspero y crudo. En directo Richard Butler es espectacular, tremendamente carismático y con una presencia magnética, que viene acompañada de movimientos y expresiones muy originales, que se refuerzan con una apariencia muy particular, que comprende extraños atuendos como gabardinas muy llamativas, que le otorgan un aire místico y misterioso. 

El disco con el que debutaron en 1980, de título homónimo al nombre del grupo, es de largo una de las cumbres del post punk, con el cual lograron encandilar inmediatamente a la crítica. Es uno de sus discos más variados, en el que son capaces de alternar canciones de ritmo lento, con otras en las que se alinean con sus raíces punk, temas rápidos y cortos como "Pulse" o la que cierra el disco "Flowers" recuerdan a la rabia primitiva de Sex Pistols. La riqueza del álbum hace que a su vez sea uno de sus discos con unas atmósferas más densas y pesadas, que vienen de la mano de unas texturas de guitarra muy saturadas. En cambio otros temas, responden más a sus inquietudes vanguardistas como la fabulosa "India" o "Sister Europe". De cualquier forma, la influencia de Roxy Music es muy apreciable en todo el disco, a pesar de ser su propuesta más próxima al punk. Personalmente es el disco que más me gusta de ellos y en donde los encuentro más sueltos y frescos.

Voy a compartir la canción más aclamada de disco que es "Sister Europe", en la que se muestra ese estilo oscuro intenso con una gran presencia de post punk. 

Con su segundo álbum "Talk Talk Talk", dan su primer paso firme hacia la new wave. El disco se abre con un fantástico tema rockero que abre el disco "Pretty in pink", que se convirtió en su primer gran éxito y que las abrió por primera vez las puertas del mercado americano. El tema gustó tanto que fue utilizado para incluirla en la banda sonora de una película del año 1986, que se llamó igual que la canción. Un auténtico temazo, que os dejo aquí.

En este disco, emplean por primera vez los sintetizadores, con lo que el grupo abandona un poco el punk, perdiendo un poco la frescura de su primer álbum, para ganar en líneas melódicas, pero sin perder tampoco esa uniformidad de todos los instrumentos tan característica de su forma de tocar, que ayuda a incrementar su estilo oscuro. Es sin duda, otro magnífico trabajo imprescindible de escuchar y disfrutar.

Con su siguiente álbum "Forever now", se convirtieron en uno de los pioneros del sonido, mezcla de new wave y post punk, que luego llevarían a la cima bandas míticas como Simple Minds o U2. Una de las grandes aportaciones del disco y además muy original, es la aparición de sintetizadores con un sonido orientalizante, que conllevan una considerable suavización del estilo oscuro y saturado, que se torna mucho más agradable de escuchar para el gran público, un buen ejemplo es la magnífica "Love my way". 

Además se puede ver como pasan de la influencia de Roxy Music a la de David Bowie sobre todo en la forma de modular la voz de Richard Butler. También es un disco más rockero y más movido que "Talk Talk Talk", recuperando algo de las reminiscencias punks. La primera canción que abre el disco "President Gas" es deudora completamente de Bowie, un temazo que evoca aquella monumental canción de 1980, que es "Scary Monsters". Otras canciones que me gustan mucho son "Goodbye", muy al estilo de The Cure y la balada fabulosa que en esta ocasión recuerda muchísimo a Brian Eno "Sleep comes down", casi la mejor canción del disco. 

"Forever now" supuso una prueba de fuego para el grupo, pues tras la grabación de Talk Talk Talk, tanto el guitarrista como el saxofonista se habían marchado del grupo, pero también habían cambiado de productor y de sello discográfico. Toda una revolución interna, a la que sin embargo supieron adaptarse, con el enorme acierto de fichar al productor y veterano músico Todd Rungren, que aportó la estabilidad que la banda necesitaba y que con sus sintetizadores logró un sonido más new wave muy sofisticado, consiguiendo una producción bastante mejor que en los trabajos anteriores.  

En "Mirror moves" de 1984 vuelven al sonido de vanguardia basado en Roxy Music, sobre todo con el trabajo magnífico de los saxofones y los teclados, que continúan esa senda orientalizante que iniciaron con "Forever now". El disco contiene dos o tres de las canciones que más me gustan del grupo, la preciosa balada "Ghost in you" y la intensa "Heaven", que incluye un magnífico vídeo, aquí os lo pongo.

Es un disco en el que ahondan y profundizan en el sonido new wave, continuando con la aproximación a propuestas más pop, con un incremento del romanticismo y una notabilísima influencia de Bowie en la voz de Butler, que se tornan menos rasgada y más suave. Hubo nuevos cambios de personal con nuevo saxo, nuevo batería y otro teclista, dejando la colaboración que habían tenido con Todd Rungren en el álbum anterior. Otro tema destacable es "Hearbeat" con un acompañamiento de saxofón irresistiblemente pegadizo. 

Después de unos años de intensa actividad y de tener que superar numerosos contratiempos derivados de los continuos cambios de personal, era inevitable que se anunciara una época de crisis que iba a durar ya el resto de la década. Llegamos a 1987 y después de dos años en los que no publicaron ningún disco, Psycodelic Furs lanzan "Midnight to Midnight", el disco más comercial con diferencia que habían grabado hasta ese momento. Un álbum que no gustó a nadie, ni a la crítica, ni a los fans, ni siquiera a la propia banda. En palabras del propio Richard Butler, "el disco era vacío, insípido y débil", y es que en efecto, si algo demuestra "Midnight to Midnight" es que Psycodelic Furs no saben hacer música comercial. Por diversos motivos, entre los que se encontraba la necesidad de incrementar su presencia en el mercado estadounidense, el grupo decidió inclinarse hacia un sonido más pop, dejando atrás definitivamente la oscuridad de raíces post punk que habían seguido hasta entonces, para inclinarse por  un sonido muy metálico y algo aparatoso.  No obstante hay que decir que la producción en general es buena, y los esfuerzos de comercialidad, dieron algunos frutos, como el que consiguieron con "Heartbreak beat". Del disco se salvan para mi gusto, el segundo y tercer corte de la cara A, que son "Shock" y "Shadow in my heart", así como las guitarras sofisticadas de John Ashton, lo demás es bastante flojo. El problema de "Midnight to midnight" es que no tiene un sonido definido, parece que quieren  hacer un hard rock, pero el resultado es inconsistente y no les pega nada, se nota incluso cierta frustración creativa y una considerable falta de inspiración, repitiéndose mucho, lo que provoca que el disco sea algo monótono.

En su último disco de los 80 "Book of days", dan un gran salto y evolucionan hacia el rock alternativo que se desarrolló en los '90, que iniciaran bandas como Sonic Youth o Pearl Jam, adentrándose en la crudeza del "noise rock", con unas guitarras todavía más saturadas que en sus primeros discos y un sonido bastante ruidoso, pero que no logra escapar a la monotonía, que ya habían tenido en su disco anterior. De cualquier modo, se nota la mano del productor David Allen que venía de trabajar con bandas como "Sister of mercy". Richard Butler tiene una voz menos rasgada y un poco más envolvente a la que nos tenía acostumbrados. Del disco salvaría la canción que da título al álbum "Book of days" y "Touch" una bonita y meritoria balada acústica, algo inédito del grupo en toda su historia. También me gustaría valorar el alejamiento de la comercialidad de su disco anterior, así como haber tenido la capacidad y la valentía de ponerse a la vanguardia de las nuevas corrientes que iban a marcar a la década siguiente,  demostrando que eran capaces de adaptarse los nuevos tiempos, aunque no con el mismo acierto que sus inicios.

A pesar de que los dos últimos trabajos de la década de los '80 no fueron afortunados, no deben eclipsar en absoluto la impresionante trayectoria que tuvieron en sus cinco anteriores discos, todos ellos de una calidad y trascendencia extraordinaria, la de uno de los grupos más interesantes y brillantes sin duda, del panorama del post y la new wave de los 80. 

Valoración de la discografía de los´80:

• The Psychedelic Furs (1980)    9 PUNTOS
• Talk Talk Talk (1981)                  8 PUNTOS
• Forever Now (1982)                   8 PUNTOS 
• Mirror Moves (1984)                  8 PUNTOS 
• Midnight to Midnight (1987)     5 PUNTOS 
• Book of Days (1989)                  6 PUNTOS

Nacho Díez

Años 80. Culture Club

Una de las bandas con una imagen más llamativa y provocativa de los años '80, fue Culture Club. Un grupo surgido de los ambientes underground y alternativos de Londres, cuyo nombre se debe a la multirracialidad de sus miembros, y que son considerados uno de los máximos representantes de una generación de jóvenes, que ya había asimilado la revolución sexual que se iniciara a principios de los setenta, a través fundamentalmente del movimiento glam. De hecho Culture Club llamó la atención del público británico por la ambigüedad sexual de su líder, Boy George, quien adoptó una imagen de "ser andrógino", pero adoptada de tal forma que se situaba en las antípodas de la forma de vestir y maquillarse de los grupos de Rock gótico, que también ofrecían una apariencia andrógina de sus miembros, cuya imagen a caballo entre el glam y el punk, era mortecina, lánguida y sombría y que en esos primeros ochenta, estaban en su máximo apogeo. En cambio, Boy George daba la imagen opuesta, muy estudiada y elaborada para transmitir una sensación alegre y jovial, para lo cual empleaba llamativos y vistosos sombreros y ropas muy ligeras y coloridas, aspecto estético que se trasladó directamente a la música que hacía el grupo. En realidad, la estética de Boy George está muy influenciada por artistas surgidos del glam rock, como Bowie o Marc Bolan, pero con el acierto de transmitir ligereza y optimismo. Lo que está fuera de dudas es que su imagen causó sensación y traspasó fronteras, por ejemplo en España influyó mucho en el cantante, Tino Casal. 

No les fue difícil por tanto conquistar al público y convertirse en uno de los grupos más exitosos de la primera mitad de la década. El estilo de Culture Club es muy rico y variado, y aunque está fundamentado en el movimiento de la new romantic, con la que comparte la elegancia y las melodías suaves, incluye una fusión muy interesante de reggae, soul y música caribeña que hacen que su música tenga un sonido pop muy fresco y ligero, sobre todo si lo comparamos con el tono sombrío y oscuro del muchos grupos de post punk y de rock gótico. Es como si con su música quisieran de algún modo reflejar un mundo completamente diferente al de la Inglaterra fría, húmeda y gris en la que vivían, lo cual redundó en una gran aceptación por parte del público, quien veía en Culture Club un refugio cálido, sensual y agradable.

Culture Club con Boy George en el centro

Puede parecer a simple vista, que Culture Club hace una música sencilla, superficial y con clara vocación comercial, y siendo esto último verdad, no es menos cierto que tampoco es tan sencilla. Aunque es cierto que hablar de Culture Club es hablar claramente de Boy  George, quien únicamente aportaba la voz, los músicos que le acompañaban, eran altamente competentes y ejecutan perfectamente los géneros que tocaban, por diversos que estos fueran. Destacable sin duda es la labor que hace el baterista Jon Moss, quien ya había tocado con grupos de renombre como The Damned y Adam and The Ants. Personalmente me encanta la base rítmica que aporta. 

Lo mejor de Culture club estuvo en los singles de sus tres primeros años y sus dos primeros LPs, antes que por diferentes conflictos internos, terminaran por disolverse en 1986. 

Su primer álbum de debut, "Kissing to be clever" de 1982 es una magnífica carta de presentación, aunque adolece de ser un tanto irregular, alternando canciones muy buenas con otras que solo merecen el calificativo de pasables. En cualquier caso, es un disco que contiene ya unas cuantas joyas que merece la pena destacar y recordar. "Kissing to be clever" despliega una música discotequera, bailable, desenfadada, con toques de salsa, alegre y muy colorista, acorde a la imagen que ofrecía el grupo. Para ello se fundamentaban en un pop soul, con toques de dance. Del disco sobresale una balada preciosa "Do you really want to hurt me" que está dentro de lo mejor de Culture Club, y personalmente a mí es la canción que más me gusta del grupo, fusionando de forma magistral la new romántic con el reggae, algo que era muy original y nada fácil de hacer bien. El tema acompañado de un vídeo fantástico, alcanzó el número uno en UK.

Otra canción destacable editada como single es una sofisticada balada, que es una de los temas preferidos de sus fans, es "Time (clock of the heart)" , aunque a mi me gusta más aún, la marchosa con aires salseros "I'll Tumble 4 ya".

Su segundo disco "Colours by Numbers" grabado al año siguiente, es considerado su mejor trabajo y uno de los discos más relevantes de ese año 1983. Es un álbum excelente que evoluciona notablemente respecto de su álbum debut, hacia un sonido todavía más soul pop, con una mejor producción, a lo que contribuye tanto la voz más fluida de Boy George, como la variada instrumentación y el empleo del saxofón y otros instrumentos de viento, entroncándo el estilo del grupo con algo de funk. Es un disco en ocasiones relajante que tiene la virtud de generar un ambiente a lo "Philadelphia sound" con composiciones muy buenas en general. A todo esto habría que añadir unos interesantes ritmos africanos, que mantienen el toque bailable de su primer disco.

"Colours by Numbers" contiene la canción más famosa de Culture Club, "Karma Chameleon" una canción super ochentera, muy pop, en la que destaca la estrofa de la armónica, que a mí me recuerda mucho a Supertramp. Un tema alegre y muy pegadizo, que como sucede con otros temas de Culture Club, encierra detrás de ese aparente desenfado, una letra profunda que habla sobre la hipocresía y la falta de autenticidad. Es la canción estrella del grupo sin duda, con la que se consolidó como una de las bandas más influyentes del momento, alcanzando el número 1 en varios países, entre ellos España y que está acompañada también de un vídeo muy vistoso.

Otros temas muy buenos son "It´s a miracle" y la fantástica "That´s the way (I´m  only trying to help you), dos canciones en las que se acercan al soul más puro, para lo que contaron con la colaboración de la cantante Helen Terry. Tal vez la segunda mejor canción del disco sea "Church of the poison mind" en el que se puede apreciar el acercamiento al Philadelphia sound. También merece la pena la emotiva balada de transfondo amoroso "Víctim".

Tras el éxito y el reconocimiento obtenido con "Colours by numbers", el grupo afrontó su siguiente álbum con todo de cara, pero su resultado decepcionó sobre todo a la crítica, que empezó a detectar la decadencia galopante en la que iba a entrar al grupo. "Waking up with The house on fire", es una continuación del soul bailable con aires funk de su exitoso álbum anterior, pero en un nivel muy inferior. Con todo, el disco contiene uno de los grandes éxitos de Culture Club, que es "The war song", un alegato antibelicista con un ritmo muy pegadizo, criticada por algunos puristas, por ser una canción demasiado simple. A mí personalmente me gusta bastante y me parece que está a la altura de sus grandes temas, por eso he querido compartirla. Nuevamente y tal vez ese es el problema, Culture Club juega al despiste y como había hecho en la misma "Karma Chemeleon" oculta bajo una apariencia de alegría, ambigüedad e ironía, un tema profundo. Una canción que además está muy de actualidad en estos desgraciados momentos que estamos viviendo. Una vez más,  la canción se lanzó con un excelente vídeo.

El  resto del disco, más allá del primer corte "Dangerous man" y la salsera con incursiones soul "Unfortunate thing", tiene poco más que de interés, con canciones que en general carecen de la brillantez de sus primeros años. Otro tanto sucedería con su último disco, antes de la separación del grupo en 1986, "From luxury to hearteache", del que ya apenas se puede sacar nada provechoso. A pesar del intento de crear un álbum sofisticado y ambicioso, las canciones no pasan de ser productos insulsos, sin gancho y demasiado enfocados a la comercialidad.

El declive que sufrió Culture Club se debió a dos factores fundamentales, el primero vino por el habitual problema derivado del consumo de drogas, que afectó notablemente a Boy George, quien estuvo muy afectado por su adicción a la heroína, y que le llevó a estar encarcelado por posesión de estupefacientes y tener que pasar por varias curas de desintoxicación. El rendimiento del grupo bajó notablemente ya en "Waking up with The house on fire", pero resultó insalvable en su último disco, en el que Boy George llegaba con mucho retraso a las sesiones de grabación, generando situaciones de una tensión insoportable, tanto para el resto del grupo, como para la casa discográfica. Otras razones son de carácter sentimental, derivadas de las relaciones tormentosas que existían entre los miembros del grupo, especialmente entre el baterista Jon Moss y Boy George. Finalmente el grupo se disolvió, dejando un poco de sabor amargo en sus numerosísimos fans.

Valoración de 0 a 10 de su discografía: 

• Kissing to Be Clever (1982)                               7 PUNTOS 
• Colour by Numbers (1983)                                8 PUNTOS 
• Waking Up with the House on Fire (1984)      6 PUNTOS   
• From Luxury to Heartache (1986)              5 PUNTOS 

Nacho Díez

Años 80. The Pretenders

Durante los años ochenta, una de las bandas más rockeras, sobre todo en sus inicios, capaz de alcanzar un éxito notable, fue The Pretenders, un grupo formado por músicos británicos, con la excepción de su cantante y líder indiscutible, la vocalista y guitarrista nacida en Ohio, Chrissie Hynde, quién por encima del resto de miembros fue quien diseñó y creó el estilo del grupo. Sin embargo no por ello debemos de pensar que el sonido de The Pretenders tiene un componente mayoritariamente afín al Rock americano, sino que sus orígenes estuvieron fundamentados en el punk londinense, debido a que cuando Chrissie Hynde formó la banda llevaba ya unos cuantos años viviendo en Londres. 

El peso de la artista norteamericana es de tal envergadura en el grupo, que en efecto, The Pretenders puede decirse que es prácticamente la banda de Chrissie Hynde. Es así que su historia se remonta a cuando ella decidió emigrar de su Ohio natal a Londres, para poder dar forma al sueño que siempre tuvo, que era la formación de un grupo de Rock. Antes de eso se nutrió del movimiento contracultural que inundaba el ambiente universitario de EEUU de los '70, de donde proviene su  estatus de activista en varios frentes. Fue en estos años cuando empezó a asistir con frecuencia a los conciertos que ofrecían sus ídolos, Iggy Pop, Rolling Stones y sobre todo The Kinks. Su vida quedó marcada para siempre y tuvo claro que quería ser como ellos, para lo cual decidió emigrar a comienzo los de los '70 al Reino Unido, donde entabló contacto con críticos musicales y productores a partir del año 1974. Pero todavía la formación del grupo estaba lejos y tuvo que pasar un tiempo y llegar 1976 justo cuando estalló el movimiento punk, para que empezara a conocer personalmente a los miembros de Sex Pistols o The Clash. Esto marcó ya definitivamente el proyecto musical de Chrissie Hynde, quien se alinearía en sus inicios con este movimiento. 

Por fin en 1978, conoce al muy competente bajista Pete Farndon y a su amigo, el interesante guitarrista James Honeyman Scott, músico bien formado, con gustos  dispares que abarcaban desde el Blues Rock, hasta la new wave de Elvis Costello. Los tres empezaron a grabar sus primeras maquetas juntos, para lo cual contrataron al baterista Martin Chambers. El grupo desde el principio estuvo marcado por la fuerte personalidad de Chrissie Hynde, su presencia varonil, contundente y agresiva que recuerda a Joan Jett y Patti Smith, encajaba perfectamente con los estándares del punk. Existe otra cantante que ha influido mucho en Chrissie Hynde, que es Debbie Harry, la líder de Blondie, como luego mostraré.

Portada de su primer Lp "Pretenders I"

Prácticamente toda la crítica está de acuerdo en que su álbum debut "Pretenders I" es su mejor trabajo, en efecto, la verdad es que el espíritu rockero y las ganas que tenían de tocar, hicieron de este disco uno de los más importantes del año 1980, lo cual no es poco. Los cuatro músicos se muestran muy inspirados y perfectamente acoplados, destacando la versatilidad de la guitarra, y por encima de todo la extraordinaria voz de Chrissie Hynde, que dotaba de una energía extraordinaria al grupo. 

No obstante un aspecto crucial para entender a The Pretenders, es que llegaron tarde al punk, las dificultades y el tiempo que tardó en formarse la banda, hicieron que cuando grabaron ya su primer disco en 1980, el punk ya estuviera muerto y lo que había quedado era el post punk y la new wave. De manera que aunque en mi opinión, el sonido principal de Pretenders durante los primeros ochenta se ajusta al punk rock, también tiene componentes de new wave, cuya presencia se ha ido incrementando ha medida que iban pasando los años. Algo que también fue decisivo para el sonido del grupo, fue la presencia del polifacético productor, Chris Thomas, quien había trabajado con Pink Floyd, Queen, Sex Pistols, Elton John y un largo etcétera. De este modo el álbum que como digo es magnífico suena en ciertas ocasiones a un punk algo edulcorado, pero también al estilo sofisticado de los primeros años de Blondie, dando con ello muestras de cierta presencia del rock americano en el grupo. Para concluir con tan variada amalgama de géneros, la pasión y devoción que sentía Chrissie Hynde por The Kinks, hace que también existan en el álbum reminiscencias del gran grupo surgido en los '60, hasta el punto de que incluyeron una versión de su tema "Stop your sobbing".

Como suele ser habitual cuando un disco es muy bueno, os recomiendo que lo escuchéis entero, de cualquier modo voy a compartir dos canciones que me parecen muy representativas de la fusión de punk y new wave que es la seña de identidad del disco. El primero es una versión en directo de "Precious", en el que se puede apreciar la fuerza y la energía de la banda en un tema muy cercano al punk, con un sonido fresco y rockero.

La otra canción "Brass in pocket" es uno de sus grandes éxitos, un tema mucho más relajado en el que se nota la presencia de la new wave y el talento compositivo de Chrissie Hynde, así como la versatilidad de James Honeyman Scott con la guitarra, capaz de tocar no solo con toda la fuerza del punk, sino también interpretar perfectamente la sofisticación melódica de la new wave.

Con un álbum debut tan fabuloso y tan apreciado por crítica y público, The Pretenders no podían haber empezado mejor su andadura. Pero su segundo disco de 1981, decepcionó un tanto las expectativas que habían generado. Parte de ello se debe al hecho de que optaron por abandonar su inclinación inicial por el punk, en favor de una new wave más suave, con canciones más pegadizas que buscaban acercarse al pop, pero cuyo resultado no termina de convencer. 

En el disco titulado "Pretenders II", se alternan canciones que mantienen aún el espíritu rockero, como el segundo corte "Bad Boys get spanked", o "Message of love" que me recuerda mucho a The Clash, con bonitas baladas como "I Go to Sleep", pero termina decayendo sobre todo a partir de la cara B. Por cierto que en este año, Chrissie Hynde mantuvo una relación con su ídolo de la adolescencia, Ray Davies, el líder carismático de The kinks, de la cual nació una hija, un romance que duró cuatro años. 

Durante la gira del disco empezaron los auténticos problemas para The Pretenders de los cuales nunca se recuperaron del todo, el bajista Pete Farndon comenzó a tener un comportamiento errático por su adicción a la heroína, que derivó en su expulsión del grupo y que por desgracia le acarrearía la muerte unos meses después. Pero las desgracias no acabaron aquí, pues el propio guitarrista, James Honeyman Scott, nada más terminada la gira del 82, falleció de una sobredosis. La sombras de las drogas se había adueñado del grupo y amenazaban acabar con él. Si bien Pete Farndon, había portado mucha consistencia a la base rítmica del grupo, James Honeyman Scott, había sido la perfecta complementación a la voz de Chrissie Hynde, enriqueciendo todos los temas con fantásticos acompañamientos de acordes y una gran variedad de sonidos, además de dar todo el empuje punk rock al primer disco.

A pesar de todo, Chrissie Hynde decidió continuar con la banda, aunque para ello tuvo que reformarla completamente. Un proceso que la llevó casi tres años y para lo cual decidió rodearse de músicos más próximos a la new wave, dejando atrás sus raíces punks. "Learning to Crawl" supuso un gran esfuerzo para todo el grupo, pero el resultado, mereció la pena. El disco fue muy bien acogido por la crítica y los fans, siendo para mi gusto el segundo mejor disco de toda su carrera tras Pretenders I y en el que se aprecia una considerable mejoría en el trabajo de producción y arreglos. El fichaje de Robbie Mcintosh, un guitarrista de estudio con buena reputación fue todo un acierto y logró que apenas se echara en falta la ausencia de James Honeyman Scott. Con ello, The Pretenders consiguió recuperar buena parte de la frescura de su primer Lp. 

El disco empieza fuerte, con "Middle of the road" un gran tema con sonido new wave, pero también muy cañero, al igual que la sensacional "Time the avenger" que me recuerda a Blondie una vez más y la voz de Debbie Harry. También me gusta mucho los aires rockabilly de "Thumbelina". Aparecen como suele ser habitual, unas cuantas baladas, entre las que destaca la navideña "2000 miles". No obstante, la cara B baja un poco el nivel con el que arranca el disco, como sucedió en Pretenders II.

Cuando parecía que volvían a tomar el rumbo con firmeza, Chrissie Hynde despidió al único miembro original que quedaba del grupo, el baterista Martin Chambers. Estamos en 1985 y durante todo ese tiempo, el batería no había podido superar la muerte de sus dos amigos acaecida tres años antes, como así atestiguan las declaraciones de Chrissie Hynde, diciendo que Martin Chambers estaba tocando muy mal en los últimos tiempos y que continuaba traumatizado por la desgracia que había azotado al grupo, así que lo mejor para él y para el grupo, era que se tomara un descanso. Finalmente Martin Chambers tardó en volver casi una década, pero regresó y aún continúa siendo miembro del grupo. De este modo solamente ella quedó como miembro original de la banda, y una vez más se encontraba ante una crisis que la obligaba recomponer el grupo, algo que no es sencillo cuando estás rodeado de músicos de sesión, que son llamados por otros artistas, pues en el fondo no pertenecen a ninguna banda en concreto. 

Esta situación se ha ido ya repitiendo desde entonces y por eso he dicho al principio que The Pretenders es la banda de Chrissie Hynde, y el resto de músicos son contratados prácticamente por cada álbum. Esto trajo como consecuencia cierta inestabilidad y una ausencia de estilo y de personalidad a partir de finales de los ´80. 

De ahí que su siguiente disco de 1986, "Get Close" bajó con respecto al anterior álbum, y eso que se rodeó de músicos de bastante calidad, algunos asociados a Talking Heads, otros como Carlos Alomar, colaborador habitual de Bowie, mientras además consiguió retener al guitarrista Robbie Macintosh que tan buenos resultados le había dado. También hay que destacar el hecho de que cambiaron de productor, buscando una producción musical más vinculada con la música new wave, pero sobre todo con el soul- funk.

Personalmente tengo que decir que el disco no está tan mal, de  hecho a mi me gusta, aunque es cierto que es inferior a "Learn to crawl" y en ocasiones es inconsistente. Se trata de un álbum ambicioso que pretende ser una mezcla de new wave y funk, dejando ya para siempre atrás el estilo rockero. Para ello contó con la presencia de numerosos músicos y una variada orquestación de viento y percusión y la aparición por primera vez de los sintetizadores. "Get Close" alterna temas que fusionan funk y new wave un poco al estilo de Talking Heads como el tema Dance!, que aportan frescura y cuentan con una buena ejecución. La banda con este disco es más compacta, tiene un mejor sonido, es más rica en matices, también es un disco más sereno, pero a cambio pierden su garra y potencia rockera. Además suenan un poco más americanos que británicos, quizás porque el peso de Chrissie Hynde es mucho mayor, sea como fuere, lo que está claro es que es un disco con una vocación notablemente más comercial.

De cualquier modo y a pesar de no ser bien recibido por la critica,  con "Get Close" alcanzaron las puestos más altos en la lista de ventas, logrando lo que no habían conseguido hasta entonces, dos número uno, que obviamente son los éxitos más importantes de la banda, dos temas muy muy conocidos que seguro que vais a reconocer. 

El primero de ellos es "Don't get me wrong", uno de los temas que más han sonado en toda la década de los 80, con el que The Pretenders alcanzó la cima más alta de su carrera. Es una canción de corte pop, pegadiza y algo bailable, que no se ajusta a los características del álbum, pero que nadie puede poner en duda que es una de las grandes composiciones de Chrissie Hynde.

El otro tema que alcanzó el número 1 es el que abre el disco, "My baby", una interesante canción dedicada a la hija que tuvo con Ray Davies, que combina toques de jingle pop, con ciertos aires folk, siendo la primera vez que The Pretenders empleaba la guitarra acústica. Pero no voy a compartir esta canción, sino que me voy a decantar por un tercer tema también muy famoso, una canción preciosa titulada "Hymn to her", que es un alegato en defensa de la mujer en forma de balada pop, otra demostración del gran talento compositivo de Chrissie Hynde. 

A pesar del éxito cosechado, los continuos cambios de personal y la circunstancia de que el último álbum no fuera bien recibido por la crítica y produjera cierta incomprensión en sus seguidores, motivaron que The Pretendes no grabara ya más discos durante la década de los 80, siendo su siguiente álbum justo del año 1990. A partir de entonces Chrissie Hynde apareció como única miembro oficial del grupo en cada uno de los álbumes. En cualquier caso, lo que está fuera de toda discusión es que The Pretenders es básicamente la historia de una mujer fuerte, valiente, decidida, que a pesar de todos los problemas que tuvo, que no fueron pocos, fue capaz de ir superando todos y cada uno de ellos y alcanzar la cima del éxito con todo merecimiento.

Valoración de 0 a 10 de la discografía de los 80:

1980 – Pretenders I.                      8 PUNTOS

1981 – Pretenders II.                     6 PUNTOS 

1984 – Learning To Crawl.            7 PUNTOS 

1986 – Get Close                           7 PUNTOS

Nacho Díez 

Años 80. Tears for Fears

Ampliamente reconocido como uno de los dúos más prestigiosos de los 80, Tears for Fears son en mi opinión los artífices de un estilo que sintetiza a la perfección la música de esta década y su evolución desde los primeros años, hasta la transición a los '90. Por tanto bien puede ser considerados como totalmente emblemáticos de esta década y su sonido en cierto modo, la quintaesencia de la música de los '80. 

Las complejas texturas musicales de Tears for Fears requieren que no se trate de un dúo puro, por lo que en sus discos siempre están acompañados no solamente de músicos de estudio, sino también en ocasiones por músicos ya reconocidos, que les han acompañado con una presencia nada despreciable. De cualquier modo son Curt Smith, encargado de la base rítmica y los teclados y Roland Orzabal, guitarra y voz principal quienes conforman el dúo y quienes evidentemente aportan el estilo de Tears for Fears. Ellos  son los que han escrito su historia y los que han conformado las características fundamentales de sus proyectos musicales. Aunque ambos son dos músicos fabulosos, se considera que el mayor peso compositivo ha recaído en Roland Orzabal.

Portada del álbum "Songs from the big chair de 1985"

Tears for Fears echaron a andar en 1981, como consecuencia de lo que ha ocurrido otras tantas veces con otros muchos grupos, la coincidencia en los gustos e influencias musicales que en el caso de Curt Smith y Roland Orzabal, también incluyen parecidas inquietudes literarias, así como una manifiesta afición por temas relacionados con la psicología. De hecho su música es en cierto modo bastante introspectiva, reflexiva e intimista. No es música para adolescentes, ni tiene letras intrascendentes, sino que todas ellas, así como sus álbumes en general, aportan una preocupación social y humana notable. En este sentido podíamos decir que Tears for Fears hace una música seria, comprometida, y que a pesar de haber sido muy exitosa, no tiene ni mucho menos una vocación comercial, como cualquier otro grupo pop al uso. En otras palabras ambos músicos son artistas inquietos y bien pertrechados intelectualmente. 

Con relación a las influencias músicales siempre se han declarado seguidores de la vanguardia que generaron buena parte de los fundadores de la new wave, Gary Numan, Peter Gabriel o Talking Heads, aunque también han mencionado abiertamente su admiración por muchos grupos de Rock progresivo. Aunque no total ni absolutamente, pues el estilo de Tears for Fears es muy personal, estas influencias se pueden apreciar en el conjunto general de su obra, lo que les convierte en un grupo muy particular que se aparta de las tendencias más simples del pop rock. En pocas palabras la música de Tears for Fears es estructuralmente muy esmerada, compacta y dotada de una gran dosis de madurez. 

Pero las fuentes de las que bebe el dúo, no se limitan a la new wave, sino que también se remontan a la música electrónica e industrial, en su vertiente más minimalista o al Krautrock, y según algunos críticos, a algunas bandas que llevan a cabo una Rock maduro y sofisticado como Supertramp. En todo caso, yo encuentro una influencia bastante notoria de Roxy music, uno de los grandes pioneros del sophisti pop. Para concluir con una gama de matices tan rica, Tears for Fears adereza su particular estilo new wave, decantándose abiertamente hacia la new romantic, del que personalmente para mí son uno de sus principales representantes, a lo que hay que incluir algunos toques de jazz y soul, por medio de unas producciones de gran elegancia, con líneas de bajo muy melódicas y sintetizadores suntuosos, perfectamente complementados por las voces aterciopeladas típicas de los '80. 

El álbum con el que debutaron publicado en 1983, es un disco conceptual ya muy elaborado para ser su primer trabajo, que aborda asuntos relacionados como la depresión, los abusos y en general temas de carácter psicológico, basados en parte en momentos de la vida de Roland Orzabal. El título lo dice todo "The Hurting", que puede traducirse como el dolor, el daño o la herida. Además de los sintetizadores, llaman la atención la presencia de la percusión de estilo tecno pop y los saxofones tratados electrónicamente. A pesar de desarrollar una música compleja y un tanto oscura, el disco consiguió ser número uno en Reino Unido con facilidad y esto es consecuencia de que realmente es un excelente disco y eso que todavía el dúo se encontraba en fase de formación de su estilo. 

Con una temática como la que aborda, no es raro que encontremos canciones crudas, con una gran dosis de melancolía y una fuerte carga emocional como "Mad world", uno de sus temas más conocidos del que hiciera una excelente versión Gary Jules en 2001, para la banda sonora de la película "Donnie Brasco". 

Las atmósferas saturadas y el lirismo unido a una gran sensibilidad, se despliegan a lo largo de todo el álbum en temas como, "The Hurting" o "Pale Shelter", o la opresiva "The prisoner", que hacen del disco una obra imprescindible de los primeros años de los '80, aunque también encontramos canciones más movidas y marchosas como "Change".

Será con su segundo álbum "Songs from the big chair" con el que alcancen no solamente el reconocimiento mundial, sino un considerable éxito. Es un disco menos oscuro que The Hurting y menos introvertido, lo que contribuyó que llegara de forma más fácil al público. Un aspecto que llama la atención es que tardaron más de dos años en publicarlo, lo que da cuenta de que no es precisamente un grupo prolífico, de hecho no publicaron más que tres álbumes en toda la década,  consecuencia de lo elaborados que están sus producciones que son muy cuidadas y que fueron ganando en arreglos, producción e instrumentación.

El disco, considerado por muchos una de las grandes obras maestras de los '80, no tiene desperdicio y cuenta con colaboraciones de lujo como la del saxofonista Mel Collins, quien ya había participado en "The Hurting" y que fue miembro durante los setenta, ni más ni menos que de King Crimson. Todas las canciones del álbum son excelentes, pero destacan dos temas que seguro que todos conocéis, porque alcanzaron lo más alto de las listas de éxito. Me estoy refiriendo a "Shout", una canción que recuerda bastante a Depeche Mode, y que para muchos es su mejor tema. Para mí también lo es. Un auténtico himno de los '80.

La otra canción que es muy famosa y que fue el tema de los '80 más reproducido durante el año 2021 en Spotify, se trata de la bellísima "Everybody wants to rule The world", una balada exquisita y sensible, que transmite una gran carga emotiva, que a mí personalmente siempre me ha cautivado.

Vaya dos temazos inolvidables y qué excelente disco que os recomiendo que escuchéis por entero. Otra gran canción riquísima de matices es "Head over heels" en la que por momentos parece que estás escuchando a Simple Minds y el último corte "Listen" delicadísima, evocadora y llena de lirismo mágico, con unos arreglos fabulosos.  

Como he dicho, el dúo tan solo publicó tres discos en los 80, siendo el último lanzado cuatro años después que el anterior, justo ya acabando la década, en septiembre de 1989. "The Seeds of love" es otro disco sensacional, con un título muy bonito por cierto, en el que incorporan a su estilo elementos jazzísticos y de soul, con la colaboración en este caso de la gran cantante Oleta Adams. Es un álbum que gana apreciablemente en arreglos y orquestación y que tiene una particularidad que no estaba presente en sus dos trabajos anteriores, un toque Beat, que realmente y sobre todo en su gran obra maestra y gran éxito del disco del álbum "Sowing The Seeds of love", recuerda enormemente a los Beatles. El álbum toca temáticas sociales y políticas, pero también tiene un tono muchísimo más optimista que los anteriores con un sonido más alegre y sofisticado si cabe y canciones que no son precisamente cortas, casi todas ellas superando los cinco o seis minutos, demostrando con ello que en ningún momento componen sus canciones pensando que sean reproducidas por las emisoras de radio. Buena parte del disco son baladas muy suaves, melódicas y elegantes, que invitan la relajación, excepto las tres primeras que son absolutamente antológicas y de carácter más jazzístico, en las que destaca una excelente percusión, gracias a la colaboración de un sensacional Phil Collins en el primer corte "Woman in chains", demostrando que es uno de los mejores bateristas de la historia del Rock, y del gran percusionista de Peter Gabriel, Manu Katché en el tema "Badman' song", que es una pieza absolutamente fabulosa. 

Del tremendo reconocimiento que tuvo el disco cabe señalar que fue disco de oro y platino en varios países. 

Del disco no pudo por menos que compartir "Sowing The Seeds of love", esa canción inolvidable, que es como el eje vertebrador de todo el álbum, absolutamente mágica y que al escucharla parece realmente como si los Beatles hubieran seguido tocando a finales de los '80. Si ellos hubieran estado en 1989, probablemente hubieran hecho una canción como esta, sin duda. Como casi todos los temas Tears for Fears viene acompañado de un vídeo excelente y muy vistoso, que incluye símbolos demarcado carácter esotérico.

Una vez más, las desavenencias entre los dos miembros provocó su separación, aunque luego volvieran a reunirse diez más tarde y hayan retomado la actividad. Curiosamente la última canción del disco se llama "Famous last world" en clarísima alusión al gran álbum de Supertramp que supuso la salida de Roger Hogdson de la banda y que anunciaba en este caso también la separación que iba a producirse en Tears for Fears.

De cualquier modo sus tres discos de los '80 son imprescindibles, tres obras maestras que nos han dejado un legado invaluable y con las que se han escrito unas de la páginas mas brillantes de la década de los´80.

Nacho Díez 

Años 60. Small Faces. Mods y mucho más

Tenía ganas de hablar de los Small Faces, grupo injustamente olvidado en la actualidad y nunca suficientemente reconocido como se merece si atendemos al nivel excelente de su corta, pero intensa discografía. Small Faces fueron desde su aparición una banda de extraordinaria relevancia para la evolución de la música de los '60, siendo rivales artísticos, que no personales de los Who, con los que guardaban muchas similitudes y con los que lideraron el movimiento mod. 

Portada del primer disco de Small Faces

Los mods fueron una subcultura de jóvenes provenientes de los estratos de la clase media y obrera sobre todo del sur de Inglaterra, en mi opinión exageradamente tildados de rebeldes sin causa, a los que se recuerda por su estética e indumentaria colorista y por su afición a las motocicletas lambretta a las que les gustaba decorar su parte delantera con multitud de faros, así como por protagonizar numerosos enfrentamientos callejeros con la otra gran tribu urbana rival, que eran los "Rockers". 

Este movimiento en realidad nunca tuvo una música asociada a ella, es decir nunca ha existido algo que se pueda calificar de "música mod". A los mods les gustaba el Rythm& blues, el soul y el Blues de procedencia negra, pero sí es cierto que espontáneamente sentían predilección por a una serie de grupos, entre los que se encontraba The Who, pero sobre todo Small Faces, a quienes tenían en lo más alto y consideraban como genuinamente mods, aunque en el fondo no lo fueran. En efecto, Small Faces eran mucho más que un grupo al abrigo del movimiento mod, fue un grupo magnífico, que hacían una música explosiva, poderosa, radical, cruda, próxima al garaje, cargada de energía, de puro Rythm&Blues cuando se lo proponían, pero sin renunciar a la experimentación y a la psicodelia a medida que ganaban madurez.

Una imagen típica de los mods

Small Faces, como The Kinks, son de esas rarezas que no necesitaron del paso del tiempo para convertirse en un grupo de culto, porque lo fueron desde el primer momento. Aunque su existencia fue efímera, la influencia que han ejercido en las generaciones posteriores está fuera de toda discusión, sobre todo en las surgidas en el punk y la new wave de finales de los '70. Baste decir que un grande como Paul Weller, líder de los Jam, los consideraba el grupo perfecto, al que siempre quiso parecerse, además de ser un gran admirador de su líder, Steve Marriott. 

A pesar de tocar fundamentalmente en ambientes underground, no debemos pensar que no fue un grupo exitoso. Small Faces alcanzó el Nº1 en las listas británicas con su sencillo de 1966 "All or nothing" y su álbum "Odgens´Nut Gone Flake" también permaneció ni  más ni menos que seis semanas en el primer puesto de ventas del año 1968.

El grupo mantuvo siempre una alineación estable en forma de cuarteto, cuyo líder indiscutible fue Steve Marriott, uno de esos grandes genios que surgen del Rock británico, con un talento descomunal, excelente compositor, guitarrista y mejor cantante, que está en la línea de esos grandes músicos alternativos, como son Eric Burdon o Ray Davies. El cuarteto lo completaba un plantel de músicos fabulosos, Ronnie Lane al bajo, Kenney Jones, un auténtico golpeador de la batería al estilo de Keith Moon, el baterista de los Who, y por último Ian McLagan en los teclados, que aportaba frescura al estilo ruidoso de la banda y que al fin y a la postre, para mí es uno de los sellos distintivos del grupo.

Pero volvamos a Steve Marriott, auténtico icono de la música alternativa, fue un adelantado y un visionario, y tal vez también un músico un tanto autoexigente y perfeccionista. Fue íntimo amigo de David Bowie, con quien estuvo a punto de formar un dúo, pero al final Bowie, decidió seguir en solitario y Marriott fundar Small Faces. De cualquier modo, la influencia que ejerció Marriott en Bowie es muy notable, sobre todo en la forma de modular la voz, en ocasiones muy similar en ambos cantantes, aunque más enfatizada en Bowie. 

Su primer disco de 1966, publicado por el sello Decca, lo titularon "Small Faces" al igual que el nombre del grupo, no se comieron mucho la cabeza, demostrando con ello lo impulsivos y espontáneos que eran y que el marketing no iba con ellos. Es ya un disco muy bueno en el que el sonido del grupo está ya perfectamente definido. Es destacable y sorprendente que no haya ninguna versión de clásicos del Rythm&blues en todo el disco,  práctica muy habitual en los grupos que empezaban a darse a conocer, sin embargo Small Faces completaron su primer LP, con composiciones propias. De ellas sobresalen sus dos primeros grandes éxitos, "Whatcha Gonna Do About It" y "Sha-La-La-La-Lee" que habían sido lanzados como singles.  

Tras romper con Decca, ficharon por una nueva discográfica, Inmediate Records, con la que lanzaron su segundo Lp, que curiosamente y para demostrar que el marketing no era lo suyo, titularon exactamente igual que el primero y exactamente igual que el nombre del grupo, sin ni siquiera aportar una numeración que los distinguiera. Al final los discos se conocían por la discográfica que nos lanzó, el primero es el "Small Faces de Decca" y el segundo "el Small Faces de Inmediate". 

Como cabía esperar, el disco mejora con respecto al primero. En general todo el grupo está mucho más acoplado y posee ya las tablas suficientes como para empezar a abordar temas también cercanos a la psicodelia. Temas como "Green circles", "Itchycoo park" y "I'm only dreaming" se encontraban entre los favoritos de sus seguidores. Es en este disco en el que también coquetean con los ambientes oníricos y surrealistas muy propios de momento y del consumo de LSD.

De este gran disco voy a seleccionar dos fabulosos temas. El primero, "Tell me have you ever seen" es totalmente garajero, muy potente y con un estribillo muy pegadizo. A mí es una de las canciones que más me gusta del grupo.

Y la segunda canción es como muchas otras de los Small Faces, un tema en el que claramente se aprecia que la voz de Steve Marriott recuerda mucho a la del primer Bowie, menos melosa que la del duque blanco, pero a  cambio, más melódica. 

A pesar de que tan solo duraron cuatro años como banda, fueron muy prolíficos sobre todo en singles, hasta el punto de que en 1967, apareció reunidos muchos de ellos en un Lp titulado "From the Begining". De entre esos sencillos quiero compartir "Hey Girl", una canción muy "mod", muy cañera. Small Faces en toda su plenitud expresiva.

El último disco de Small Faces "Ogden nut gone flake" publicado en 1968, es como no podía ser de otra forma muy ambicioso. Es el año en el que todas las grandes bandas, The Kinks, The Who, los Rollings, los Beatles, todos sin excepción habían decidido hacer álbumes conceptuales, recurriendo a la psicodelia como género adecuado para ello. Se llamaban discos conceptuales porque en ellos había detrás una historia por lo general con tintes cómicos, cuya estructura seguía los patrones del music hall. Los álbumes conceptuales rompieron con los discos que se hacían hasta entonces, que solamente eran una sucesión de canciones, sin un argumento que las uniera. Detrás de los álbumes conceptuales está la idea de que la música podía traspasar las fronteras de su propio lenguaje y ser un medio artístico integral. 

Small Faces no fue una excepción y "Ogden nut gone flake" fue concebido bajo los mismos planteamientos. Un álbum de corte experimental y psicodélico, con el que se situaban a la altura de las grandes bandas del momento. Curiosamente y ante los errores comerciales que cometieron en los discos anteriores, decidieron hacer una portada muy llamativa y no solamente en la carátula, sino con la propia forma de la portada, a la que diseñaron con una forma totalmente redonda, sin una cubierta cuadrada como es habitual. El diseño causó sensación y el disco fue todo un éxito. El título del disco parodiaba no se sabe muy bien por qué, a una antigua marca de tabaco. Desde su lanzamiento ha sido considerado uno de los mejores exponentes de las psicodelia británica y también su mejor trabajo. 

Sin embargo, también fue lo que produjo la súbita desaparición del grupo. Steve Marriott, entendía la música y la vida, al igual que la canción "All or nothing" de su primer álbum, o todo o nada. El hecho es que durante la gira promocional, tenían previsto acompañar a los conciertos con actuaciones teatrales, que ilustraran el argumento del álbum. Pero por diferentes motivos logísticos y económicos esto no fue posible, lo que produjo la ira de Steve Marriott quien inmediatamente decidió dejar el grupo, pues entendió que de este modo se estaba mutilando la creatividad del grupo y en consecuencia, no tenía sentido alguno seguir con él y mucho menos tocar en directo las canciones del disco. 

Evidentemente Steve Marriott tenía razón, pero de ahí a tomar una decisión tan radical, es una exageración que cuesta de entender, pero así fueron las cosas y éste fue el final de Small Faces.

De este disco que se considera su obra maestra, voy a seleccionar el primer corte instrumental, de título homónimo en el que podemos apreciar al arranque de la canción cómo utiliza Steve Marriott el pedal wah wah. Super psicodélico!!!!

Tras las cenizas del grupo, el resto de miembros formaron una banda a la que dieron el nombre de Faces, sin el "Small". Un fantástico grupo que no fue más que la continuación de la banda anterior pero sin Steve Marriott, a la que se incorporaron ni más ni menos que quien fuera posteriormente el guitarrista de los Rolling, el gran Ron Wood y un joven Rod Stewart, que venía de formar parte del grupo de Jeff Beck.  Steve Marriott, por su parte formó Humble Pie, un grupo que contaba con la participación de Peter Frampton, y en donde Marriott siguió haciendo muy buena música, pero todo esto ya pertenece a la década de los '70.

Como veis, todos los nombres que de un modo u otro estuvieron asociados a Small Faces, son de primer orden, Rod Stewart, Ron Wood, Peter Frampton y el propio Steve Marriott, todo un lujo de grupo, del que espero que hayáis disfrutado.

Nacho Díez